Guitarrismos

Haciendo tu DEMO?

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Thu, 05 Feb 2009 01:18:00 +0000

Si estás pensando armar un DEMO (maqueta) para presentar a ejecutivos, sería bueno que checaras esto.

La última vez que hice un DEMO de mi banda completa fue un asunto desastroso porque grabamos todo directamente a una cinta (cassette) a través de una consola SUNN Alpha 8 conectando todo junto (micros, bajo y guitarra) y tocando directamente como si fuera una actuación. Obviamente cuando alguien se equivocaba (casi siempre) teníamos que comenzar de cero la pieza y cuando finalmente lográbamos que saliera completa, el resultado era terrible tanto en claridad de sonido como en ecualización. Las cintas quedaron -terribles, pero quedaron- y hasta armamos un par de DEMOS, uno en español y otro en inglés, pero suenan como trabajos amateur.

Con el tiempo, y debido a que me separé de aquella banda, comencé a grabar yo por mi cuenta y comencé a utilizar algunos programas como Cakewalk y Sonar pero con el que mejor me hallé fue con el "Cool Edit Pro Ver 2.2" con el que además pude ecualizar, grabar por pistas y hasta modificar voces y énfasis aparte de muchas cosas.

Si el problema al crear el DEMO es que uno no es precisamente un experto en el estudio, "Cool Edit" ayuda a resover demasiadas cosas con las que uno habitualmente se enfrenta en estas cosas y hasta se integra a muchos otros programas también utilizados para crear un estudio casero usando una computadora y por ende el único problema que uno pudiera tener al final resultan ser cosas de la creatividad o bien del equipo y veremos por qué esto del equipo.

La mayoría de jóvenes guitarristas que quieren armar un DEMO lo quieren hacer utilizando el mismo efecto (y el mismo amplificador) que suelen usar en escena y esto ya es una complicación ya que es altamente sugerible grabar solos y arreglos sin pedales ni cajas de efectos, mucho menos usar pedales de efectos en riffs rítmicos o en rasgueos de acompañamiento porque "Cool Edit" tiene una interfaz que le otorga efectos al gusto del productor. Si aún así existe la necedad de utilizar estos efectos luego entonces se necesita tener un buen equipo de amplificación (toda vez que no suena igual un pedal "Metalzone" en un Amplificador Fender de 50 W que en un Samick o un Ibanez fabricados para practicar) aparte del cableado adecuado (por lo regular son preferibles los cables blindados que no sean HiFi) para poder conectar el amplificador a la computadora en donde por cierto hay que hacer toda una rutina de ecualización una vez conectado el equipo. Como sea actualmente existen pre amplificadores que conectan la guitarra directamente a la computadora sin problemas de ruido.

Si tienes plata suficiente tienes cualquiera de dos opciones: 1.- Pagar tiempo en un estudio profesional que es muy recomendable, ó 2.- Comprar equipo adecuado para montar un estudio casero. Si de cualquier manera has decidido que quieres experimentar con tu música y evitarte a un ingeniero "sabelotodo" y neurótico que "te permita" tocar en tu propio DEMO, luego entonces te sugiero altamente que visites este posteo en Taringa.Net que ahí te dan una completa guía de cómo montar tu propio estudio y hasta el software que puedes usar (y mejor aún, hasta lo puedes descargar de ahí mismo).

Si no tienes fondos suficientes y solo dispones de una vieja PC, tu guitarra y un amplificador (muchos de estos vienen de regalo con una guitarra barata comprada en una tienda departamental) es para ti este posteo dedicado con mucho aprecio.

Consideremos que tu guitarra conectada a tu ampli pasa demasiado ruido, te sugiero también que consigas los mejores cables blindados posibles (2 ó 3) -vuelvo a insistir en la importancia de que no sean HiFi- y un plug adaptador para conectar tu guitarra a la PC, generalmente en la entrada de micrófono, es por ello que necesitas poner los niveles de volumen a cero (y me refiero a la guitarra y distor con ampli en caso de usarlos) y partir de ahí para que puedas grabar sin ruido excesivo. Importante es que puedas monitorear lo que grabas utilizando bocinas de rango completo que puedan adaptarse a tu PC.

Ayuda mucho valerse de un teclado con algunas buenas voces como bajo, órgano, piano, violines (si eres ambicioso) y pueda facilitarte la inclusión de percusiones pero si no tienes teclado (ni bajo, ni batería) puedes trucar tu guitarra -en la compu- de tal manera que en el Cool Edit puedas bajar un par de octavas y así suene como bajo. Con la batería puedes hacer lo mismo haciendo sonar algunas cuerdas de tu guitarra y convirtiéndolas en el programa a instrumentos de percusión (snare, hi-hat, bass drum, tom tom, etc). Probablemente no quede como una maqueta de "Genesis" o de "Jethro Tull" pero experimentando puedes lograr cierta buena calidad.

Respecto aluso de pedales o cajas de efectos yo recomiendo evitarlos por el rango de sonido amplificado que por naturaleza proyectan -para ello fueron hechos- y porque tu guitarra "al natural" es más fácil de manejar pero, venga, reconozcamos que muchos somos prisioneros de los efectos al tocar sólos de guitarra así que te sugiero que si eres metalero uses el nivel de distorsión (o flanger, o phasor, etc) que acostumbras pero en nivel de salida (volumen) lo pongas exactamente al nivel en que suena tu guitarra sin efectos. Si eres bluesista, country o librepensante pues la tarea es menos complicada porque son estilos mas exigentes y por ende tendrás que sujetarte a menos distorsión por lo que el programa resulta mas adecuado aún.

Guitarra es guitarra y no existe un Dios ni ninguna ley que diga "Esta guitarra es la que debes usar", con una guitarra que no pase ruido, no mienta ni haga traste está bien aunque sí reconozco que yo por preferencia personal utilizo Stratocaster y Telecaster (ambas Fender Squier) conectadas a un amplificador Crush 10 de "Orange" pero una Les Paul o guitarras del tipo deben sonar bastante bien. Aquí mi insistencia en defender a capa y espada tanto a las "Squier" como a las "Epiphone", la primera Fender y la segunda Gibson que, pese a ser de manufactura oriental en serie, resultan ser de una muy especial calidad garantizada incluso en sus respectivos websites. A lo mejor es verdad aquello de que las guitarras caras en realidad lo único que hacen es venderte el nombre en la paleta (mástil).

Al grabar, cada canción debe arrojarte un archivo (llamado "session") que no sugiero acoplar -juntar las capas resultantes en un solo track- y que es bueno guardar exactamente como va quedando (no me refiero al sonido sino a los tracks) para que al final puedas exportarlo. Cuando ya hayas grabado unos cinco temas puedes precisamente exportarlos ya sea a formato "wav" o a formato "mp3". Recuerda que el wav es muy grande pero es de superior calidad al comprimido en mp3 así que recomiendo respaldar los wav resultantes en un CD específicamente destinado (como archivos, aclaro) y de ahí puedas hacer posteriores publicaciones a otros formatos. Casi olvido que las "sessions" también las guardes en otro disco tal y como queden al final para que en el futuro puedas editarlas y modificar uno o varios instrumentos en concreto sin tener que grabar todo de nueva cuenta.

Cuando ya hayas prensado un DEMO-CD (utilizando el Roxio, windows media player o el propio cool edit) en Tracks, lo que sigue ya queda en tus manos ya sea en el diseño de portada, fotos, presentación, etc. el límite son la imaginación y el criterio.

Hasta aquí mi buena intención de ayudarpero si eres experto en el tema o simplemente tienes otras (y mejores fuentes) te agradecería una ayudita para ampliar esto. Les envío mis mejores deseos y un abrazote.

Suerte con el DEMO!!!!

Acerca de los egos (Cuantos dedos ocupas para tocar?)

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Tue, 18 Nov 2008 19:15:00 +0000

No hace mucho me tocó ver una bizarra alegata entre dos colegas respecto a un tercer colega que, según uno de ellos, era al mejor guitarrista de esta ciudad en la que ando de visita en tanto su interlocutor alegaba que no era cierto, que solo era "espectacular" pero poco más. Mas adelante me atreví a intervenir y pregunté porqué aquel colega, que yo desconocía en ese momento, era tan supuestamente bueno a lo que su defensor me dijo que utilizaba la técnica de "ocho dedos".

Antes de que algunos de mis amables lectores suelte sonora carcajada por tal expresión debo aclarar que dicha técnica existe y es muy socorrida entre guitarristas casi todos de heavy metal y cuya invención podría atribuirse a Eddie Van Halen en los años ochenta aunque bien podríamos considerar otros precursores como Steve Vai y Joe Satriani por mencionar solo a dos de los mas conocidos pero sería pecado dejar fuera a muchos otros como Greg Howe (no confundir con Steve Howe de Yes) y en muchos casos al propio Brian May de Queen entre muchos otros guitarristas de la época (incluso el actor Christopher Guest -Nigel Tufnel- la llegó a aplicar en algunas canciones del ficticio grupo Spinal Tap en su película de 1984). Otros héroes de los "ocho dedos" son Kirk Hammet de Metallica y Marty Friedman de Megadeth.

La técnica de ocho dedos es un tanto menos pretensiosa de lo que su ridículo nombre le hace parecer ya que se trata de tocar la guitarra usando la técnica "Tapping" que no es otra cosa que crear una armonía con la mano derecha (izquierda si eres zurdo) en equipo con la izquierda (derecha si eres zurdo) sobre un arpegio iniciado de lado izquierdo y cubrir una escala abierta a partir de un punto en el diapasón para concluirlo un tanto mas allá en el lado derecho valiéndose del sonido que arroja el "Tapping". Si esto se combina y se cubre la misma escala en dos partes diferentes de la guitarra utilizando ambas manos pues los resultados son igualmente espectaculares. Esto requiere cierta práctica y ensayo pero no es algo que cualquier chaval sin quehacer no logre en el término de un mes si se propone pegarse a esto. Lo práctico de usar la técnica es que puedes vender ese circo como "Show", lo malo es que personalmente no creo que sirva para maldita la cosa, a menos que hagas tu concepto personal, muy personal, para tocar ante un público dispuesto aplaudirte y venerarte pero que por obligación sepa de guitarras -o en caso contrario sea una partida de idiotas-, de otro modo no creo que este tipo de guitarristas vayan mas allá de un estadio lleno de músicos primordialmente porque el público global, el que paga el pollo y las tortillas, es gente que espera que toques para ellos, no para ti mismo.

Total. Como no me gusta arrojar juicio sin atestigüar lo que me dicen, esperé a ver tocar a tal virtuoso, cosa que hice sin decir nada y al final esperé a que concluyera su "Show". Cierto, la mar de chavales se le fueron encima para hacerle preguntas y venerarlo pero mucha gente adulta solo miraba la escena de manera divertida, asunto que le hice ver al defensor del "virtuoso". En los días siguientes me tomé la molestia de recopilarle a mi amigo algunas canciones tocadas por guitarristas que yo considero de grandes ligas y le hice notar que David Gilmour es peculiarmente diferente en sus discos de solista a sus discos con Pink Floyd pero le hice ver también que prefería una canción de Pink Floyd tocada someramente con su escala pentatónica que a un Yngwiee Malmsteen yendo a 1,000 km/h en una pieza en la que el que mas se divertía era él. Le mostré cosas de The Who y Rolling Stones en las que la guitarra líder casi brilla por su ausencia pero en las que los acordes, armonías y rasgueos determinaban sonidos que han trascendido a su propia historia. Igualmente le enseñé guitarristas como Eric Clapton, Jimi Hendrix, Ritchie Blackmore, Toni Iommi, Jimmy Page, Jeff Beck y los contrasté con guitarristas como Dave Murray, Ace Frehley, Mathias Jabs, K. K. Downing, Angus Young, Kirk Hammet, Marty Friedman, Paul Gilbert y otros metaleros también haciéndole notar que todos ellos tenían un principio básico que era el de integrar sus guitarras a las canciones que tocaban y no las canciones que tocaban a sus guitarras y que era evidente que todos ellos trabajaban en equipo con sus músicos o las bandas con las que tocaban. El virtuoso aquel podría haber impresonado a una bola de mocosos aspirantes pero jamás podrá cautivar a un público y eso se lo dejé bien claro al amigo que tanto defendía a aquel semidios guitarrero. También le mostré parte del trabajo de Steve Vai y Joe Satriani en el que es notorio que ambos le dan a su banda la importancia necesaria para hacer de ello un trabajo profesional y que si bien ellos son guitarristas espectaculares también aplicaban ese virtuosismo a que su música sonara sinfónica y no para crear un "Show" de tributo al ego, como son los casos de Malmsteen y Petrucci entre otros.

Como mi amigo, el defensor del virtuoso, también es guitarrista y hasta toca música clásica le sugerí que intentara escucharse a sí mismo y aplicara mucho de lo aprendido a sus improvisaciones y solos de guitarra cosa que comenzó a practicar hace poco y ha comenzado a sentirse bien consigo mismo. Él es un buen guitarrista y muy disciplinado por lo que me alegré de haberlo sacado de su error de venerar a un buen manejador de trucos mas que a un guitarrista serio porque, por muy rocanrolero que seas, la música debe tomarse en serio.

Es cuanto

Messy Blues

Fender Blues Club

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Sat, 26 Jul 2008 03:57:00 +0000

Las guitarras Strat en el Blues

Antes de que mis críticos salten a la yugular con sus sanos y honrosos comentarios como "Tus pinches apodos mamones" y cosas finas por el estilo y esperando el respectivo brinco de "Tu pinche guitarra ni fender es wey", pues me di a la tarea de checar hasta donde un usuario de una humilde "Squier 1968 Reedition" (de fabricación oriental) es o no un legítimo usuario de productos fender. Me metí al website de la Fender y procedí a leerlo de cabo a rabo y me puse en contacto con ellos preguntando que tan ilegitimo resultaría ser un usuario Fender teniendo una Squier por lo que en seguida me respondieron (en un día) al respecto diciendo que tan usuario es el que tiene una americana como el que usa una oriental, la diferencia estriba en que la Fender USA fabrica guitarras a mano y bajo un estricto control de calidad en todo el proceso para crear una guitarra, mientras las Squier se fabrican en serie con una madera "standard" y en sí lo que las fábricas hacen es la mano de obra pagada por "Fender Musical Instruments" pero que la firma "Squier" fue hecha precisamente hace 20 años para poner las guitarras fender al alcance de todos los bolsillos (bueno, supongo que lo dicen pensando en su primer mundo) así que ni me preocupara, era tan usuario fender como el que mas. Lo chistoso es que, fender o no, no dejo de ser de los parientes pobres, jajajajajajajajajaja.

Ahora que he dejado claro el si puedo o no presumir que uso guitarras fender paso entonces a la parte en que las guitarras fender tienen un delicado lugar en el blues pero antes que otra cosa suceda debo echar abajo algunos mitos existentes en la comunidad guitarrística que alega que las primeras en usarse fueron las "Gibson" porque es un error histórico (ahhh cómo chingo con esa expresión). Lo que sucede es que Les Paul fue el inventor, digamos, de la primer guitarra eléctrica como tal pero a la vez no porque los hawaiianos ya utilizaban un dispositivo al que le colocaban un micrófono rudimentario (no resulta irónico que los hawaiianos hayan apreciado mejor ese invento, el micrófono, con fines realmente artísticos????) y posteriormente fue la marca independiente Rickenbaker la que patentó seriamente lo mas cercano a la guitarra eléctrica pero en este caso fue con anatómia de Hawaiian Guitar así que los verdaderos inventores fueron los Rickenbaker y no propiamente Les Paul quien fue el que inventó la primer guitarra de resonancia y un fonocaptor para tocar jazz y poderse escuchar en una orquesta, eso sí, inspirado en la guitarra de Rickenbaker.

Leo Fender y Doc Kauffman tampoco empezaron como podría creerse en 1950 con sus revolucionarias Esquire y Broadcaster (que pronto sería Telecaster). Ellos habían entrado en el negocio con la marca K & F, tanto para la lap steel como para ambos, cuatro años antes. Su primer modelo estaba originalmente pintado de negro. Hubo varias razones para que dezplazaran a las guitarras convencionales y la mas obvia fue que eran mas baratas y fáciles de construir. Fuera de la parte eléctrica y de afinación, solo hacia falta una pieza rígida de material sin formas sutiles, tallados ni caladuras. Para mejor, habia un mercado ansioso del sonido de las nuevas guitarras, pues desde los 30s, su heart and soul había ido penetrando con la música hawaiana y haciéndola representativa.

Es aquí a donde quería llegar. la fender de un modo un otro es mas raíz del blues precisamente porque su sonido inicial estaba destinado al uso del slide que en sí buscaba sonar blues y no tanto a hawaiiano aunque también hay que considerar que, como buenos blancos, Fender y Kauffman pensaron mas en los múysicos de Country&Western, hay que aceptar. Sin embargo la broadcaster fue la guitarra mas utilizada para bluesear con slide usando capo ya que su cuerpo sólido permitía un sonido mas seco y metálico en tanto Les Paul tuvo que trabajar sobre un modelo nuevo al que ahora conocemos precisamente como "Gibson Les Paul", por cierto una de las guitarras mas famosas después de la Fender Stratocaster (jijijijijijiji). Así las cosas no hubo precisamente una guerra entre fabricantes de guitarra sino mas bien un mútuo impulso por difundir su uso porque incluso organizaban ferias estatales para promover todas las guitarras que se fabricaban por esos años. Injusto sería dejar fuera a las guitarras Martin, Harmony, Hohfnner, Luther, Gretsh y las propias Rickenbaker dentro del entorno blues porque ciertamente influyeron en la historia.

La guitarra fender, o bien todas las guitarras tipo strat, me gustan porque se prestan a cierto control que las de puente rígido no tienen y como dije alguna vez, puedes tocar bends sin que la cuerda se estire como liga (o como dijo omar Jacobo: "Suben hasta el cielo") por lo que tus tonos quedan mas controladitos debido en parte a cierta dureza (resistencia) del puente sujeto desde atrás de la guitarra, amén de que es más fácil moverte sin dar "Espadazos" cuando tocas con otros guitarristas en el escenario. Tiene además la peculiaridad de ser más fáciil de afinar porque todas las llaves están arriba y mientras los controles (volumen, agudos y graves) tienen varios cambios en un selector que te ahorran muchos dolores de cabeza y te permiten sincronizar la pastilla de medios, cosa que no sucede con las de puente rígido que usualmente tiene solo dos botones en las elecaster (de fender) y un par de graves con otro par de agudos en las les paul (aunque le reconozco a etsa guitarra su selector de rythm-lead que ayuda bastante ciertamente). Como sea me quedo con las strat.

Las Stratocaster no son consideradas por los latinoamericanos como muy blueseras sino mas bien como metaleras lo que señala cierta versatildiad de estas guitarras ya que bien Eric Clapton toca un espeluznante blues como Yngiwee Malmsteen toca sus arpeggios neoclásicos con gran destreza (y eso que no lo trago al wey) asimismo artistas como Buddy Guy, David Gilmour, Steve Ray Vaughan, Jimi Hendrix, Jeff Beck y varios mas han dado cierta certeza de que la stratocaster es una de las mejores guitarras del mundo y por ende es ideal para tocar no solo blues sino todo tipo de música. Ciertamente habrá quienes prefieran la Les Paul precisamente por los puntos que se contraponen a la stratocaster porque igual hay muchos guitarristas, como Slash y Jimmy Page, que la usan mas que ninguna otra en tanto el rey del blues, B. B. King, usa desde hace años guitarras ES-355 a las que bautiza como "Lucille" y estas son de caja de resonancia (iguales a la que John Lennon utilizó en la película "Let it be"). bueno también debo aceptar que guitarra es guitarra y punto pero no dejo de festejar mucho a mi favorita de siempre, la Fender Stratocaster.

Messy Blues
El Duende Azul de la Guitarra Strat

Historia del "Slider" en el Blues

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Sat, 28 Jun 2008 04:47:00 +0000

Del "tubito" ese que usamos pa que la lira suene medio hawaiiana

Hace unos días practicaba yo y en esos ejercicios estaba usando el "Slide" (que yo llamo slider pero su correcto nombre es "Slide") y un amigo que me veía ensayar me dijo que ya me habìa visto usarlo tocando en vivo pero que no se explicaba cómo es que, los que lo usamos, podemos hacerlo toda vez que la guitarra se mueve medio tono a partir de la segunda cuerda lo que hace un tanto dificil seguir una secuencia a base de la rigidez del Slide.

Ciertamente para usar correctamente el slide es, o debería ser, necesario afinar la guitarra en una tonalidad "abierta" (un ejemplo sería la standard DADF#AD pero hay mas opciones) pero como no me atrae la idea de estar afinando y desafinando a cada rato pues a mí me dio por arreglármelas utilizando la afinación universal .225 que es EADGBE y me apaño a usar acordes tipo "A" en la parte media (de arriba hacia abajo) aunque no tengo una regla específica de recorrido (confesando que tampoco soy el Slide King por el momento) y reconozco que me cuesta un tanto mas de trabajo que si usara la otra opción de afinaciones. En fin, me vi sorprendido por la pregunta y comenzamos a tontear con canciones de Robert Johnson que, al igual que Muddy Waters, centraba mucho su sonido al "Bottleneck" que es el verdadero nombre de la técnica conocida como "sliding".

Vagando en retrospectiva e históricamente dentro del Blues, convendría tomar en cuenta que al inicio de la era bluesiana con los primeros acompañamientos de guitarra hubo otra manera de resolver el dilema de reemplazar un coro de gospel. La guitarra desplazó en alto grado al Banjo y al violín, sobre todo al primero, cuyo uso fue poco común entre los cantantes de Blues.

El blues era ante todo una música vocal y requería cierta calidad vocal en los instrumentos. La flexibilidad de la guitarra satisfacía dicha exigencia. La afinación mi-si-sol-re-la-mi- típica se alteraba tensando o destensando las cuerdas hasta que el instrumento quedaba afinado a una cuerda. Los resultados fueron muy satisfactorios.

Con los primeros acompañamientos de la guitarra hubo otra forma de tocarla. Esto se consiguió con la guitarra slack key, que eran populares en los estados unidos. Esencialmente, la guitarra se afinaba en un acorde abierto y la melodía se tocaba deslizando una barra de metal arriba y abajo por las cuerdas. Esta fue la solución a un problema específico del blues que condujo a las diferentes afinaciones y estilos del blues moderno.

Esta técnica fue también conocida con el nombre de knife-song, ya que se deslizaba una hoja de cuchillo sobre las cuerdas, y el músico podía obtener un sonido lastimero parecido a un gemido humano, o al de un field-holler. Aunque algunos guitarristas utilicen este recurso de modo ocasional, y otros habitualmente, el hecho es que la técnica se ha generalizado, lo cual indica la clara diferencia que siente el cantante de blues por los sonidos dotados de calidades vocales.

Si bien posteriormente con el propio desarrollo del blues fueron utilizado un gran número de instrumentos, (La jarra y el kazoo, que se reemplazó en los años treinta por el bajo de una cuerda hecho con una tina de lavar invertida o un cubo de manteca de cerdo, la tabla de lavar (todos estos instrumentos de percusión africanos), la guitarra slide, hecha de una cuerda con alambre de escoba extendido a lo largo de una madera o de la pared de una casa y que al pulsarla, sonaba y deslizaban una botella de cristal a lo largo, tocada en los años treinta y cuarenta, muchos artistas del blues comenzaron de esta manera.) los que dieron la pauta al inicio de este género musical.

Ciertamente el blues tocado usando escalas del tipo pentatónico (aunque existe un pequeño error histórico al respecto porque la escala de blues es hexatónica) es, digamos, la manera mas conocida de interpretarlo pero los profundizados en asuntos de blues saben que la inclusión de elementos modernos como el saxofón, tradicionales como el piano y rurales como la harmónica y el bottleneck conceden a este estilo una personalidad propia y una cierta elevación espiritual en cuanto a interpretación se refiere.

La cosa es que no pude responderle del todo a mi cuate sobre el uso del "Slide" pero sí coincidimos ambos en que este tubito ayuda mucho a que se escuche mas blues un sencillo solo de guitarra o probablemente un acompañamiento de fondo.

Messy Blues

Tocar la guitarra?

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Fri, 17 Aug 2007 21:44:00 +0000

Bueno, tocar la guitarra es un arte muy chingón, perdón la expresión, y muy gratificante cuando ya se dominan algunos acordes y rasgueos. De hecho cuando uno se vuelve prisionero de la guitarra se le olvida todo lo demás. Despiertas, comes y duermes pensando en la guitarra y te le pegas a todo aquel que sepa un poco, al menos un poco, de guitarra. Incluso llegamos al exceso de ir al coro de la iglesia local para ver si alguien se apiada a enseñarte un poco o bien, compras todo lo comprable y al alcance de tu bolsillo que contenga esos mágicos acordes (pisadas) de guitarra, de tan bendito instrumento.

Pero más allá de si tu lira es acústica o eléctrica (y este último error lo comenten mucho los niñatos consentidos), el precio que hay que pagar, pagues cuota de aprendizaje o no, es altísimo. Si no pagas clases porque alguien mas te enseña vas a tener que aguantarle a quien te enseñe todos sus excesos, especialmente si es una persona vanidosa y voluble. Si pagas clases es igual de scarificado porque muchos instructores, conste no todos, no saben tampoco la gran cosa y te hacen corregir y corregir posturas y formas de agarrar la guitarra al grado de que terminas convertido en un "contorsionista-aprendiz de guitarra".

Y no he mencionado el sufrimiento de las manos. Al principio te salen callos, te llegan a sangrar los dedos y se te entumen las manos cuando comienzas a tocar "Cejillas" (el uso del dedo índice sobre todas las seis cuerdas para darle al acorde una tonalidad transportada) y, después de algunas semanas de sufrirle a eso, logras tocar tu primera canción ante los vitores de tus amigos y tíos y primos y primas y paleros (y de esa chica que tanto te gusta -o al revés si eres mujer) pero cuando te sale un músico un poco mas experimentado te dirá cosas como "Ay no ma... suena del carajo!!!" o igual te dirá "suena como a rondalla". Bueno, sonar como a rondalla ya es, si no bueno, sí es ganancia. Al menos tocarás mejor que un mes antes, cierto?.

El punto es que hoy en día hay pocos que quieran enseñarte (al menos sin cobrarte) y muchas veces uno no cuenta con plata para ello. Si hay mocosos consentidos que su mamí o papi les compra todo, habemos unos que nos cuesta trabajo conseguir lo necesario y pues es aquí donde este blog intenta volverse útil.

Si ya tocas y eres bien cabrón para la lira y puedes emular a Walter Guiardino, te felicito y espero me enseñes algo pero hasta aquí este post deja de ser interesante para tí así que, Ciao, pásate a otro blog o búscale por la internet cosas nuevas y gracias por visitarme. Saludos a todos por allá. Ok. Ya se fue el experto?. Bien, pasemos a lo siguiente.

Ya que solo se han quedado los que medio tocan o no tocan ni madre pero quieren hacerlo procedamos a los consejos previos:

Compra una guitarra acústica, ni tan barata que no se pueda tocar ni tan cara que te deje sin comer por meses. Una buena guitarra que no haga traste (que no trastée) estará bien.

Aprende a afinarla, será lo primeritito que debas hacer. Existen afinadores de silbato que venden en las tlapalerías y tus cuerdas deberán quedar universalemnte como: Sexta en mí, Quinta en la, Cuarta en re, Tercera en sol, Segunda en sí y Primera otra vez en mí pero ocho notas arriba. O sea, más aguda.

Ponte a digitar. En la web hay varios ejercicios de digitación pero igual puedes contactarme y yo mismo te los pasaré. La digitación es básica y primordial para tocar correctamente.

Evita en lo posible los cancioneros picot y guitarras fácil. Los odio. Generalmente están llenos de errores y transcipciones falsas.

Practica tus rasgueos. Olvidate de sonar "chanchanchán" tipo iglesia o tipo Rondalla de Saltillo. Escucha otros guitarrista profesionales y fíjate en medida de lo posible en sus rasgueos. No te dejes llevar por el "Así suena bien", eso es lo peor que peuda pasarte. Trata de averiguar cosas sobre arpegios.

Ten muchísima paciencia y principalmente tente muchísima paciencia a ti mismo. La autoestima es importante y acepta que estás tratando de cultivar un arte que merece respeto y que te merece respeto a ti.

Cuida tu guitarra. Tu guitarra es tu amiga, tu compañera, tu todo pero desafortunadamente no se puede cuidar sola. Cuídala mucho, aflójale las cuerdas de vez en cuando, límpiala, aléjala de la humedad o calor excesivos y, ojo, procura practicar a solas o al menos sin molestar al prójimo. No tienes idea de lo irritante que es para mucha gente estar escuchando a un principiante y, si bien no es tu culpa, reconozcamos que los demás son ajenos a nuestra afición.

Ahora bien. Si tu meta es tocar una onda metalera pues te has enfrascado en un oficio algo "Castigador" porque en ese estilo rifan dos cosas: Vanidad Extrema y Presunción Artística. Los metaleros se han metido en la cabeza que son los Mozarts y Bachs del siglo 21 por lo que persiguen lo que ellos llaman "Virtuosismo". Entonces bien debes digitar bastante mas de lo que yo sugiero y olvidarte de la melodía, al cabo lo que quieres es ser rápido (igual que todos los metaleros)...

...pero si lo que quieres es tocar bien entonces te sugiero escuchar muchísimo jazz, luego muchísimo blues, después rock clásico y finalmente el verdadero heavy metal (mas abajo doy sugerencias) pero no desdeñes otros estilos como el bolero, el huapango, la ranchera, las norteñas, la trova y otros mas de los que también aprenderás muchísimo.

Ok, casi termino. Te daré algunas sugerencias para que aprecies el modo de tocar de algunos guitarristas como: Joe Satriani, George Harrison, George Benson, Wes Montgomery, Santo and Johnny Farina, Andrés Segovia, Paco de Lucía, John McLaughin, John Williams, Al Di Meola, Carlos Santana, José Cruz (Real de Catorce), Chamín Correa, Los Panchos, Los Tecolines, Gabilondo Soler (aunque te rias), Pete Townshend, Eric Clapton, Michael Angello, Tommy Tutone, Mark Knopfler, Botellita de Jerez, Café Tacuba, Soda Estereo, Jimi Hendrix, Peter Green, Jeff Beck, David Gilmour, Brian May, Don Felder y Javier Batiz entre muchísimos otros.

Te invito a visitar Mi geocities de guitarra y espero te sirva de algo para comenzar.

En fin, reciban todos un saludo y suerte con el comeinzo. Bienvenidos al mundo fantástico de la guitarra :)

Messy Blues

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Tue, 10 Jul 2007 02:54:00 +0000

Ejercicios para guitarra.

Para tocar la guitarra, una dieta balanceada de ejercicios Hay solamente seis cuerdas, pero una gran variedad de cosas para practicar. Para salir de la rutina de los tres acordes y las mismas escalas una y otra vez se requiere esfuerzo… pero tampoco es para tanto

Tener una rutina variada para que la práctica diaria no sea tediosa es esencial si se quiere ser un guitarrista versátil. Si sólo se practican dos o tres cosas, seguramente seremos muy buenos en ciertas áreas… pero todo lo buenos que seamos allí se compensará con nuestras falencias en lo que dejamos de ejercitar.

En esta nota intentaremos sentar las bases para aprender a crear una rutina variada y adaptada a las necesidades de cada guitarrista. De este modo, nosotros mismos iremos viendo hasta dónde podemos tocar y qué conviene practicar más para lograrlo.

Generalmente, lo que se puede ejercitar se categoriza en siete áreas:

* Técnica

* Repertorio (temas propios o versiones de temas ajenos)

* Composición

* Improvisación

* Audioperceptiva

* Teoría musical

* Lectura (partitura o tablatura)

Todo lo que practiquemos se enmarcará en una o varias de estas áreas. Por ejemplo, si estamos intentando aprender un cover (tema de un intérprete conocido) escuchándolo de un CD y transcribiéndolo, básicamente se estará ejercitando técnica, repertorio y audioperceptiva al mismo tiempo. Además, al escribir la canción en el momento de transcribirla, estamos sentando las bases para ejercitar más adelante nuestras nociones de lectura.

Pero la pregunta que debemos hacernos siempre es la siguiente: ¿es necesario practicar con la misma intensidad en las siete áreas? Esto es uno que cada uno deberá evaluar durante las distintas etapas del aprendizaje o el ejercicio en el instrumento, teniendo también en cuenta qué se quiere lograr mediante la práctica.

Por ejemplo, si uno desea ser un guitarrista clásico sobresaliente, no tendrá sentido practicar improvisación durante largas horas, que serán más útiles dedicadas a la lectura musical o la técnica. Repetimos: todo depende de cuáles sean nuestros objetivos, que son los que determinarán en última instancia el ordenamiento, las prioridades y la intensidad de nuestra práctica de instrumento.

A continuación, algunos ejercicios:

Ejercicio uno:

Empezamos con un ejercicio mental. ¿Qué tipo de guitarrista deseamos ser dentro de diez años? Una vez que tengamos esta imagen claramente definida en la cabeza, empezar a pensar ejercicios específicos que ayuden a que esta imagen proyectada se vaya convirtiendo lentamente en realidad. Escribir todos los ejercicios que se nos ocurran, por más pequeños o disparatados que nos parezcan a primera vista.

Ejercicio dos:

Al lado de cada ejercicio pensado en el ejemplo anterior, escribir una categoría. Por ejemplo si se escribió “debo aprender a tocar más rápido”, escribir un ejercicio de técnica a continuación. Si se piensa en un objetivo que quepa dentro de más de una categoría, escribir todas las que puedan relacionarse con él.

Ejercicio tres:

Mirando las respuestas de los dos ejercicios anteriores, priorizar las categorías que interesen más teniendo en cuenta el objetivo final. Por ejemplo, si se piensa que la técnica es lo que más debemos ejercitar, colocarle el número 1 al lado para resaltar su importancia.

A continuación, un ejemplo gráfico de cómo funcionaría esto:

Área de prioridad (1-7, siendo 1 la más alta)

Técnica 1

Repertorio 3

Composición 6

Improvisación 4

Audioperceptiva 2

Teoría musical 5

Lectura 7

Lo importante a tener en cuenta es que, luego de la categorización, tenemos que dedicarle más tiempo a lo que hayamos colocado más alto en la lista de prioridades. Pese a ser algo obvio, mucha gente no lo hace si no lo tiene presente constantemente y con el suficiente énfasis (si es por escrito, mejor).

Ejercicio cuatro:

Programar cuánto tiempo por día se dedicará a cada categoría. Escribirlo al lado de cada una de las categorías. Por ejemplo:

Tiempo invertido diariamente en cada área

Técnica 1 3 horas

Repertorio 3 1 ½ horas

Composición 6 45 minutos

Improvisación 4 1 hora

Audioperceptiva 2 2 horas

Teoría musical 5 45 minutos

Lectura 7 30 minutos

El próximo paso es pensar en un ejercicio específico para cada área. Y escribirlo, por supuesto.

Una manera de expresarlo sería de este modo:

Técnica: 10 minutos por día dedicados a ejercicios con púa alternada. Empezar con velocidades no superiores a las 80 negras por minuto e ir incrementando de a 4 por día. No buscar la velocidad por la velocidad misma: practicar hasta el punto donde cada nota pueda distinguirse perfectamente.

Audioperceptiva: 10 minutos por día serán utilizados en practicar ejercicios de audioperceptiva sobre la pentatónica de LA mayor.

La idea es tener por lo menos un ejercicio específico por área para poder empezar. Si se tiene mucho tiempo para practicar (más de tres horas por día), se tendrá que pensar en más de un ejercicio por área para no aburrirse. Este método sirve y vale la pena probarlo. Y no para quedarse en el mero método, sino para irlo enriqueciendo y agregándole variantes. Los resultados no tardarán en llegar.

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Sat, 26 Aug 2006 18:49:00 +0000

Anti Malmsteen

Hola:

Probablemente no encuentren aquí nada de Yngwiee Malmsteen y afeminados parecidos a él, bueno, es porque detesto a Malmsteen, simplemente no lo soporto. Puede ser
el mejor guitarrista si ustedes quieren, y eso no lo discuto, pero no soporto ni su ego ni su enfermiza forma de tocar a 500 mil por hora. Lo lamento.

Tampoco verán mucho de Giardino, Balckmore ni nadie que se asimile o tenga algo relativo al Malmsteen.

Saludos

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Sat, 26 Aug 2006 18:41:00 +0000

Brian May (Queen)

Brian Harold May nació el 19 de julio de 1947 en Hampton, Middlesex, una pequeña ciudad al sur de Londres. Sus padres se llaman Harold y Ruth.

Brian, un joven muy apegado a sus padres, mostró pronto dos grandes aficiones: los cómics de ciencia-ficción y la guitarra, aunque su primer instrumento fue el ukelele, que su padre tocaba bastante bien. A los siete años, Brian recibió como regalo de cumpleaños una guitarra española debido a su insistencia en tener una guitarra de verdad. Al percatarse de que la guitarra era demasiado grande para él, el joven Brian con la ayuda de su padre y un serrucho, la transformó en un instrumento que podía tocar con sus diminutos dedos. Además, utilizando hilos de cobre y unos imanes, consiguió que su guitarra sonara de forma similar a una verdadera guitarra eléctrica.

Su talento era evidente desde el principio, pero decidió sensatamente continuar sus estudios para tener otra carrera a la que agarrarse por si no marchaba lo de la música. Obtuvo su licenciatura en Ciencias en la especialidad de Física y continuó como postgraduado trabajando en Astronomía en el Imperial College en Londres, materia que enseñó durante algún tiempo al nivel de bachillerato. Mientras terminaba sus estudios de astronomía, estuvo trabajando una temporada en Tenerife, donde realizó dos estudios sobre polvo planetario que fueron publicados en el Monthly Notices of the Royal Astronomical Society. Más adelante, a finales de los sesenta, formó Smile con Tim Staffell uniéndoseles después Roger; volviendo la mirada hacia el pasado, Brian está convencido de que gran parte del sonido de Queen se originó con Smile. Llegaron incluso a telonear a Pink Floyd y a Yes. Brian May es sin duda uno de los mejores guitarristas del medio, y ésa es también la opinión de Eric Clapton. "Viniendo de él, eso significa mucho para mí", dijo Brian. "Eric Clapton fue una de las personas que tuvieron una influencia más obvia e importante en mí. Clapton es uno de los tipos que más me ha motivado para tocar en la época del Crawdaddy Club, en la que la gente garrapateaba ´Clapton es Dios` en las paredes".

En 1963, Brian se dio cuenta de que con su guitarra acústica no podía interpretar las canciones que escuchaba en la radio y que trataba de emular. Así que decidió cambiar su guitarra acústica por una eléctrica. Pero en esa época el joven Brian no disponía de dinero para comprarse las caras Gibson Les Paul y Fender Stratocaster que habían en el mercado. Así que con la ayuda de su padre, Harold May (un ingeniero electrónico), decidieron embarcarse en un difícil proyecto: fabricarse su propia guitarra, trabajo que comenzaron en agosto del 63 en un dormitorio de su casa convertido a taller.

Esta guitarra ha sido uno de los símbolos de su carrera musical.

El sonido característico de la Red Special, la guitarra de May, es sin duda místico y dotado de gran virtuosismo. Impulsor de la "guitarra-orquestación" llamada así por el uso de varias guitarras que se escuchaban simultáneamente e imitando diferentes voces logrando así frases contrapuntísticas en toda la extensión musical. Ésta fue reverenciada por su bella complejidad armónica con la que lograba crear atmósferas y líneas melódicas llenando cada rincón de su música sin necesidad de sintetizadores, hasta "The Game", en 1980 y la cual se deja ver principalmente en los primeros discos de Queen tal como "A night at the opera", en 1975.

Ha hecho cuatro álbumes en solitario: Star Fleet Project (Mini LP) en 1983, Back To The Light en 1992, Live At The Brixton Academy en 1994 y Another World en 1998.

Discografía solista

Star Fleet Project (Mini LP), 1983

Star Fleet
Let me Out
BluesBreaker

Back To The Light, 1992

The Dark
Back To The light
Love Token
Resurrection
Too Much Love Will Kill You
Driven By You
Nothing But Blue
I'm Scared
Lost Horizon
Let Your Heart Rule Your Head
Just One Life-Rollin'Over

Live At The Brixton Academy, 1994

Back To The Light
Driven By You
Tie Your Mother Down
Love Token
Headlong
Love of My Life
39/Let Your Heart Rule Your Head
Too Much Love Will Kill You
Since You've Been Gone
Now I'm Here
Guitar Extravagance
Resurrection
Lost Horizon
We Will Rock You (slow/fast)
Hammer To Fall

Another World, 1998

Space
Business
China Belle
Why Don't We Try Again
Oh My Way Up
Cyborg
The Guv'nor
Wilderness
Slow Down
One Rainy Wish
All The Way From Memphis
Another World

Influenciado por: Jimi Hendrix, Jimmy Page, Jeff Beck, The Shadows, The Ventures, Eric Clapton
Influenció a: Eddie Van Halen, Joe Satriani, Slash, Steve Vai, Kirk Hammett.

Enlaces externos

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Sat, 26 Aug 2006 18:34:00 +0000

Pete Townshend

Esta página está traduciéndose del idioma inglés a partir del artículo Pete Townshend, razón por la cual puede haber lagunas de contenidos, errores sintácticos o escritos sin traducir.

Peter Dennis Blandford Townshend (nacido el 19 de mayo de 1945 en Chiswick, Londres) es un influyente guitarrista y compositor británico de rock que es mayormente conocido por su trabajo con The Who.

Biografía

Nacido en el seno de una familia musical (su padre Cliff era un saxofonista profesional y su madre Betty una cantante), Townshend demostró una fascinación por la música a una edad temprana. Fue expuesto tempranamente al rock and roll estadounidense (su madre sostiene que el veía repetidamente la película de 1956 "Rock Around the Clock") y obtuvo su primera guitarra gracias a su abuela a los 12 años, la que describió como una "Cheap Spanish thing" ("cosa barata española").

En 1961 Townshend ingresó en el Ealing Art College, y, un año más tarde, junto a su amigo de la Acton County Grammar School John Entwistle, fundó su primera banda, The Confederates, un dúo de Dixieland que tenía a Townshend en el banjo y a Entwistle en el corno francés. Pronto se unieron a The Detours, una banda de skiffle liderada por Roger Daltrey (quien en ese entonces trabajaba de soldador de hojas de metal), que, bajo el liderazgo de Townshend, se convertiría en The Who. Pronto fueron contratados por un publicista de Mod (movimiento juvenil) llamado Peter Meaden, quien los convenció de cambiar su nombre a The High Numbers (nombre que se refería a términos del movimiento). Luego de lanzar un single (Zoot Suit), comenzaron a trabajar con dos nuevos managers, Chris Stamp y Kit Lambert, lo que marcó el comienzo de The Who.

Las principales influencias de Townshend incluyen a Link Wray, John Lee Hooker, y Hank Marvin de The Shadows.

The High Numbers se volvió a llamar The Who. Los primeros singles que escribió Townshend para el grupo, incluyendo a "I Can't Explain," "Substitute," y "My Generation", unieron un sentido lírico irónico y psicológicamente astuto con música cruda e intensa, combinación que definiría a la banda. Durante los primeros días de la banda, Townshend se volvió popular por su excentricismo sobre el escenario, a veces interrumpiendo conciertos con largas introducciones de las canciones, girando su brazo derecho contra las cuerdas (conformando sus famosos "remolinos"), y a veces destruyendo sus guitarras en el escenario, golpeándolas contra los amplificadores y altavoces. Aunque la primera vez que destrozó su instrumento fue considerada un accidente, la destrucción de los instrumentos se volvió parte regular de las presentaciones de The Who. Townshend iba a relacionar estas acciones con las teorías de arte autodestructiva del pintor austríaco Gustav Metzger, a las que había sido expuesto en la escuela de arte.

The Who siguió progresando a pesar de la muerte de dos de sus miembros originales. Son considerados por muchos críticos como una de las mejores bandas en vivo de fines de los años 1960 y principios de los años 1970, gracias a sus acciones en el escenario, el alto volumen y la energía de sus presentaciones.

Townshend siguió siendo el principal compositor del grupo, escribiendo mas de 100 canciones que aparecieron en los 10 álbumes de estudio de la banda. Entre sus logros más importantes se encuentra la creación de Tommy, para la que el término "ópera rock" fue creado, ser uno de los pioneros en el uso de feedback, y la introducción del sintetizador como instrumento de rock. Townshend siguió creando álbumes con historias que los unificaban a lo largo de su carrera, por lo que es considerado el músico más frecuentemente relacionado con el concepto de ópera rock. Townshend también demostró talento con su guitarra y fue influyente con ella, aunque el mismo afirmó en entrevistas que no entiende por qué es considerado un gran guitarrista.

Townshend ha sido un seguidor del gurú religioso hindú Meher Baba, cuyas enseñanzas fue una importante fuente de inspiración para muchas de sus obras, incluyendo a Tommy y el proyecto no completado por The Who Lifehouse. La canción "Baba O'Riley," escrita para Lifehouse que eventualmente apareció en el álbum Who's Next, fue llamada así por Meher Baba y el compositor minimaista Terry Riley. Aunque las enseñanzas de Baba requieren abstinencia del alcohol y las drogas, Townshend ha tenido diversos problemas con el abuso de esas sustancias.

Además de su trabajo con The Who, Townshend ha estado esporádicamente activo como solista. Entre 1969 y 1971 Townshend, junto a otros seguidores de Meher Baba, grabó un trío de álbumes desconocidos dedicados a las enseñanzas del yogi's - I Am, Happy Birthday, y With Love. Como respuesta a los bootlegs de los mismos, compiló sus highlights (y "Evolution", una colaboración con Ronnie Lane), y lanzó su primer trabajo solista de importancia, Who Came First, en 1972, el cual tuvo éxito moderado y contenía demos de canciones de The Who y demostraba su habilidad con la guitarra acústica. En 1977 colaboró con Ronnie Lane (bajista de The Faces que también era devoto de Meher Baba) en un álbum llamado Rough Mix. El primer álbum verdaderamente solista de Townshend fue Empty Glass, que fue lanzado en 1980 y contenía el single top 10 "Let My Love Open the Door". A este álbum le siguió, en 1982, All the Best Cowboys Have Chinese Eyes, que incluía la popular canción "Slit Skirts". Durante el resto de los años 1980 y principios de los 90 vovlió a experimentar con el concepto de ópera rock, lanzando diversos álbumes basados en cierta historia, incluyendo White City: A Novel (1985), The Iron Man: A Musical (1989), y Psychoderelict (1993).

Townshend también tuvo la oportunidad de tocar con su heroe Hank Marvin para las sesiones Rockestra de Paul McCartney, y además de otros respetados músicos de rock como David Gilmour, John Bonham y Ronnie Lane.

Townshend ha grabado varios álbumes en vivo, incluyendo uno en el que aparece un supergrupo que el conformó, llamado Deep End, que solo tocó tres conciertos y una sesión para el programa de televisión "The Tube", para recaudar dinero para una caridad que ayudaba a los drogadictos. En 1984 Townshend publicó una antología de cuentos titulada "Horse's Neck". También confirmó que esta escribiendo una autobiografía. En 1993 escribió y dirigió, junto a Des MacAnuff, una adaptación para Broadway del álbum Tommy, al igual que un musical menos exitoso basado en su álbum solista The Iron Man, basado en el libreo de Ted Hughes (MacAnuff y Townshend iban a co-producir más tarde la película animada The Iron Giant, basada en la misma historia de Hughes).

Desde mediados de los años 1980 hasta la actualidad, Townshend ha participado en una serie de giras de reunión y despedida con los miembros sobrevivientes de The Who.

Townshend sufre de sordera parcial y tinnitus como resultado de su exposición extensiva a musica a alto volumen a través de auriculares y en conciertos, incluyendo uno notable de los la década de 1970 en el que el volumen llegó a los 120 decibeles a 40 metros del escenario. Parte de su condición es a veces atribuida a una infame presentación de The Who de 1967 en el programa Smothers Brothers Comedy Hour, en la que Keith Moon colocó una gran cantidad de explosivos dentro de su batería y los detonó cuando Townshend estaba parado frente a ella. En 1989, Townshend aportó los fondos iniciales que permitieron la creación de la organización sin fines de lucro H.E.A.R. (Hearing Education and Awareness for Rockers).

Townshend conoció a Karen Astley (hija del compositor Ted Astley) en la escuela de arte y se casó con ella en 1968. La pareja se separó en 1994 pero aún no se ha divorciado. Tienen tres hijos, Emma (nacida en 1969), quien también es cantautora, Aminta (nacida en 1971), y Joseph (nacido en 1989). Por muchos años Townshend evitó emitir comentarios sobre los rumores acerca de su supuesta bisexualidad. Finalmente, en una entrevista de 2002 [1] con la revista Rolling Stone, explicó que, aunque experimentó brevemente con relaciones homosexuales en los años 1960, es heterosexual. Townshend actualmente vive con la música Rachel Fuller, a quien conoce desde hace varios años. Actualmente vive en Richmond, Inglaterra.

En el año 2003 Townshend recibió una "police caution" (alternativa a la prosecución de la policía británica) - dándole antecedentes penales - tras realizar un pago para acceder a un sitio de pornografía infantil en 1999. En su sitio oficial afirmó que estaba realizando una investigación para "A Different Bomb", un libro que nunca se terminó basado en un ensayo que publicó en su sitio. Townshend ha dicho que su autobiografía va a incluir la historia de como el mismo fue abusado sexualmente cuando era chico, un tema que apareció en Tommy. En febrero de 2006 se anunció una gira mundial de The Who para promover el primer álbum del grupo desde 1982.

Trabajos literarios

A pesar de ser más conocido por su música, Pete Townshend ha estido involucrado extensivamente en el mundo literario por más de 3 décadas, escribiendo artículos para diarios y revistas, revisiones de libros, ensayos y disertaciones, libros y guiones.

Uno de sus primeros escritos salió en agosto de 1970 con las primeras nueve ediciones de "The Pete Townshend Page", una columna mensual que escribió para el diario de música británico Melody Maker. En la columna Townshend mostraba sus puntos de vista sobre diversos asuntos, como los medios, el estado de los lugares de conciertos de Estados Unidos y sistemas de dirección pública, mientras que mostraba el estado mental de Townshend durante la evolución de su proyecto Lifehouse.

Townshend también escribió tres ensayos largos para la revista Rolling Stone: el primero apareció en noviembre de 1970 y se llamó "In Love With Meher Baba", ya que hablaba sobre sus ideas espirituales. "Meaty, Beaty, Big and Bouncy," que hablaba detalladamente del compilado de The Who del mismo nombre, salió en diciembre de 1971, y en noviembre de 1977 salió un artículo llamado "The Punk Meets the Godmother,"

También en 1977, Townshend fundó Eel Pie Publishing, que se especializaba en títulos para niños, libros de música y publicaciones relacionadas con Meher Baba. Una librería llamada Magic Bus (como la canción popular de The Who del mismo nombre) fue abierta en Londres. The Story of Tommy, un libro escrito por Townshend y su compañero de la escuela de arte Richard Barnes sobre la creación de la ópera rock de Townshend de 1969 y su película de 1975 (dirigida por Ken Russell), fue publicada por Eel Pie en ese año.

En julio de 1983, Townshend obtuvo un trabajo como editor de adquisiciones para la editorial de Londres Faber and Faber. Sus proyectos más notables incluyeron editar la autobiografía del líder de The Animals Eric Burdon, "Crosstown Traffic" de Charles Shaar Murray (que fue premiado), y More Dark Than Shark de Brian Eno y Russell Mills, y trabajar con el Príncipe Carlos en un volumen de sus collection completa de discursos. Pete comisionó Like Punk Never Happened de Dave Rimmer, y fue editor de Steven Berkoff.

Dos años después de comenzar a trabajar en Faber and Faber, Townshend decidió publicar su propio libro. Horse’s Neck, publicado en mayo de 1985, fue una colección de pequeños relatos que escribió entre 1979 y 1984, sobre temas como la niñez, el estrellato y la espiritualidad. Gracias a su trabajo, Townshend se hizo amigo del ganador del premio Nobel y autor de Lord of the Flies, Sir William Golding, y del poeta premiado Ted Hughes (su amistad con Hughes lo llevó a interpretar musicalmente su historia The Iron Man, seis años más tarde).

Townshend escribió diversos guiones a lo largo de su carrera, incluyendo varios borradores de su proyecto Lifehouse, el último de los cuales (co-escrito con el dramaturgo de radio Jeff Young), fue publicado en 1999. En 1978, Townshend escribió el guión de "Fish Shop", una obra comisionada pero no completada por London Weekend Television, y a mediados de 1984 escribió el de White City, que llevó a un film corto.

En 1989, Townshend comenzó a trabajar en una novela titulada Ray High & The Glass Household, cuyo borrador fue más tarde enviado a su editor. Mientras la novela original sigue sin ser publicada, elementos de la historia fueron usados en el álbum solista de Townshend de 1993, Psychoderelict.

En 1993, Townshend escribió otro libro, "The Who’s Tommy", una crónica del desarrollo de la galardonada versión de Broadway de su ópera rock.

La creación de su sitio oficial, www.petetownshend.com, y su sitio comercial, www.eelpie.com, ambos en 2000, le dieron otro lugar para sus obras literarias. Algunos de sus ensayos fueron publicados online, incluyendo "Meher Baba – The Silent Master: My Own Silence" en 2001, y al año siguiente, "A Different Bomb," una crítica de la industria ponográfica infantil..

Su contribución literaria más reciente es The Boy Who Heard Music, una novela semi-autobiográfica llamada "The Boy Who Heard Music" publicada en forma de serie en su blog desde septiembre de 2005. La última parte fue publicada el 25 de febrero y se anunció que sería seguida por algún tipo de continuación musical.

Townshend firmó un acuerdo con Little, Brown publishing en 1997 para escribir su autobiografía, que supuestamente se llamaría "Pete Townshend: Who He?" y aún está incompleta. Larry David Smith habló sobre sus conceptos y caprichos creativos en su libro "The Minstrel's Dilemma" (Praeger 1999).

Equipamiento musical

En los primeros días de The Who, Townshend tocaba guitarras eléctricas semi-huecas de 6 y 12 cuerdas Rickenbacker semi-hollow electric guitars primarily (particularmente el modelo Rose-Morris). Sin embargo, a medida que la destrucción de instrumentos se volvía algo común en las presentaciones del grupo, comenzó a usar guitarras mas resistentes y baratas, como las Fender Stratocaster, Fender Telecaster, y varios modelos Danelectro. A fines de los años 1960 comenzó a usar los modelos "Special" de Gibson SG, como en en los festivales de Woodstock y la Isla de Wight. La compañía cambió el diseño de ese modelo en 1972, por lo que Townshend comenzó a utilizar Gibson Les Paul Deluxes, a pesar de que por un tiempo fue buscando SGs antiguas por diferentes tiendas.

Durante los años 1980, Townshend usó principalmente Rickenbackers y modelos similares a los de Telecaster diseñados para el por Schecter y varios otros luthiers. Desde entonces ha usado la Fender Eric Clapton Signature Stratocaster.

Townshend también uso otras guitarras, incluyedo varios otros modelos de Gretsch, Gibson, y Fender. También usó guitarras acústicas de Guild, Takamine y Gibson J-200.

Hay varios modelos de guitarras de Pete Townshend de Gibson, como la Pete Townshend SG, Pete Townshend J-200, y tres Pete Townshend Les Paul Deluxes diferentes. La SG era claramente marcada como un modelo de edición limitada de Pete Townshend e incluía una caja especial y un certificado de autenticidad firmado por Pete. También ha habido una guitarra de Pete Townshend de edición limitada de Rickenbacker.

Entrevistas

Desde principios de 1966 Townshend se convirtió en el portavoz de la banda, cuando fue entrevistado sin el resto de la banda para la serie de la BBC A Whole Scene Going admitiendo que la banda usaba drogas. A lo largo de esa década Townshend aparecía regularmente en las páginas de las revistas de música británicas, pero fue la larga entrevista con Rolling Stone de 1968 que selló su reputación como uno de los intelectuales y teorizadores del rock.

Townshend dio muchas entrevistas a la prensa underground, estableciendo su reputación de comentarista honesto sobre la escena del rock. A eso se le sumaron los artículos que el mismo escribió (su columna mensual de en Melody Maker, y sus tres contribuciones a la revista Rolling Stone).

Al cumplir 30 años, Townshend habló sobre su sensación de que The Who estaba fallando con el periodista Roy Carr, haciendo comentarios ácidos sobre su compañero Roger Daltrey y otros miembros importantes de la escena de rock británica. Tras la aparición de estos comentarios en la revista NME, Townshend tuvo problemas con sus compañeros de banda y dejó de dar entrevistas por dos años. En 1982 Townshend usó a los medios para hablar sobre su adicción a la cocaína y la heroína. Muchos periodistas, con la revolución punk, comenzaron a rechazar a los viejos artistas de rock. Townshend atacó a dos de ellos, Julie Birchill y Tony Parsons, en la canción "Jools And Jim" de su álbum Empty Glass, luego de que hicieran algunos comentarios derogatorios sobre el fallecido baterista de The Who Keith Moon. Otros periodistas criticaron a Townshend por traicionar su idealismo de sus primeras entrevistas cuando The Who participó en una gira patrocinada por Miller Brewing en 1982.

En 1990 salió un libro de entrevistas por Timothy White llamado Rock Lives, en el que aparece una entrevista en que Townshend habla sobre el significado de su canción "Rough Boys", que daba la impresión de que era gay o bisexual, y los tabloides ingleses expandieron ese rumor por todo el mundo. Townshend no habló sobre esto por respeto a sus amigos gays, hasta una entrevista de 1994 con la revista Playboy.

Religión

Townshend no mostró predilección por las creencias religiosas en los primeros años de The Who y muy pocos podrían haber sospechado que el violento "machacador" de guitarras fuera un monaguillo. Sin embargo, hacia enero de 1968 Townshed empezó a explorar ideas espirituales. En enero de 1968, The Who grabaron su canción "Faith in Something Bigger" (Odds and Sods LP) (la traducción del título al castellano sería "Fe en algo mayor").

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Sat, 26 Aug 2006 18:31:00 +0000

Eric Clapton

Eric Clapton Shaw (Ripley, Reino Unido, 30 de marzo de 1945). Guitarrista británico de blues. Apodado "slowhand" (mano lenta), Clapton ha sido uno de los artistas más respetados e influyentes en la era del rock. Su estilo musical sufrió múltiples cambios a lo largo de su carrera, pero sus raíces siempre han estado en el blues. Este músico es reconocido como un inovador en varias etapas de su carrera, como son el blues-rock (con John Mayall's Bluesbreakers y The Yardbirds), rock-blues-jazz fusion (con Cream), y también como solista. También ha tocado con "Derek and the Dominos" y "Blind Faith" y colaboró con The Beatles en el la grabación del albúm The Beatles como solista en la canción While my guitar gently weeps. Su guitarra eléctrica favorita y más utilizada es la Fender Stratocaster, también tiene preferencia por Fender en otros tipos de guitarras.

En sus últimos trabajos rinde tributo a Robert Johnson, bluesman al que siempre ha considerado como la mayor influencia musical en su carrera.

Carrera y vida privada

Juventud de Clapton

Eric Clapton nació en The Green, Ripley, Surrey, Reino Unido, como hijo ilegítimo de Patricia Molly Clapton, de 16 años, y Edward Walter Fryer, un piloto canadiense de 24 años. Su padre regresó al lado de su esposa en Canadá antes de que Eric naciera. El niño creció con sus abuelos en la creencia de que eran sus padres, y de que su madre era su hermana. Años después su madre se casó con otro soldado canadiense y se mudó a Canadá, dejando a Eric con sus abuelos. Cuando éste tenía nueve años descubrió la verdad, siendo este un momento decisivo en su vida.

El día en que cumplía 13 años, recibió como regalo una guitarra, que él solo aprendió a tocar. A la edad de 17 formó su primer grupo, The Roosters (Los Gallos).

Eric Clapton enero del 2005, en una presentación de caridad debido a los tsunamis ocurridos en 2004.

El joven músico creció oyendo grabaciones de blues de Robert Johnson. Clapton se forjó un estilo distintivo sintetizando influencias del blues de Chicago y de grandes guitarristas de este género, como B.B. King y Freddie King.

Salto a la Fama

En 1964 su nombre empezó a sonar como miembro de The Yardbirds, un grupo de rock and roll con influencias del blues. Ahí, Clapton rápidamente se volvió uno de los guitarristas más populares en la escena musical inglesa. Sin embargo, el músico seguía fuertemente comprometido con el blues, por lo que renegaba del nuevo rumbo pop de The Yardbirds, en parte porque "For your love" fue escrita por el autor pop Graham Gouldman, que había escrito hits para el grupo adolescente "Herman's Hermits" y el grupo pop '"The Hollies". Varias veces se negó a tocar esta canción y renunció al grupo tan pronto como el sencillo fue grabado.

Después de varios meses de práctica, Clapton se unió a John Mayall & the Bluesbreakers. Su ejecución tuvo una gran influencia en el primer álbum de este grupo, además de inspirar una efímera ola de grafitis que lo deificaban con el eslogan "Clapton is God" ("Clapton es dios").

En 1966 Clapton forma lo que es reconocido como el primer supergrupo de la historia del rock: Cream, con el bajista Jack Bruce y el baterista Ginger Baker. Aunque sólo estuvieron juntos un par de años, su influencia fue enorme, con temas tan conocidos como "Sunshine of your Love", "White Room" y el clásico "Crossroads". Las presentaciones en vivo de Cream, con sus largas improvisaciones, sirvieron como modelo para muchos grupos tanto de rock pesado como de progresivo en los 60's y 70's.

Tras la separación de Cream, Clapton formo otro supergrupo, Blind Faith, nuevamente con Baker y con el músico prodigio Steve Winwood. El grupo sólo editó un disco, pero el éxito que tuvo es patente de la gran popularidad de Clapton en todo el mundo.

Etapa Solista

Después de Blind Faith, Clapton se enfoca principalmente en su carrera solista, aunque eventualmente se integra a otros proyectos fugaces como Delaney & Bonnie o Derek and the Dominos. Con este último produce uno de sus más grandes éxitos, "Layla" (dedicada a Patty Boyd, entonces esposa de su amigo George Harrison).

Clapton se mantiene prácticamente inactivo durante 1971 y 1972, debido a una seria adicción a la heroína. Pete Townshend, de The Who, le ayuda a superarla y a organizar un concierto de regreso en el Rainbow Theatre de Londres en 1973. En los siguientes años produce varios éxitos como "Cocaine", "After Midnight" y un cover de "I Shot the Sheriff", original de Bob Marley.

La carrera de Clapton parece debilitarse en los años 80's, pese a una exitosa presentación en el concierto multitudinario Live Aid. La edición de "Crossroads" en 1988, uno de los primeros paquetes recopilatorios en el entonces nuevo formato compact disc, revitaliza su carrera.

En 1991 la tragedia golpea a Clapton, al morir su hijo Conor, de cuatro años, por un accidente. En memoria de él, Clapton escribe "Tears in Heaven", canción que se convierte en un éxito masivo.

El siguiente año, la grabación del concierto MTV Unplugged de Clapton se convierte en la más exitosa de su carrera, ganando dos premios grammy. Clapton sigue metiendo temas en las listas de popularidad como "Pretending", "Change the World" y "My Father's Eyes".

Clapton se mantiene activo como uno de los instrumentistas más respetados y reconocidos de la escena musical contemporánea.

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Sat, 26 Aug 2006 18:21:00 +0000

Jimi Hendrix
Jimi Hendrix Experience. Biografía, discografia y letras

Legendario superguitarrista, influyente y talentoso músico y compositor y gran genio de las seis cuerdas eléctricas, introductor de radicales innovaciones en el arte de tocar el venerado instrumento, John Allen Hendrix (al que más tarde le cambiaron el nombre por el de James Marshall) nació el 27 de noviembre de 1942, en Seattle.

No era un gran amante de los estudios y para ganarse la vida decidió enrolarse en el ejército americano como paracaidista, aunque tampoco tuvo mucha fortuna ya que tras romperse un tobillo abandonó su corta vida militar.

Su destino final lo encontró en la música, pasión familiar a la que le había llevado su padre Al. Con su guitarra, Jimi imitaba a los grandes nombres del blues americano, a los que admiraba profundamente, especialmente a B.B. King.
En su efímero paso por el ejército había conocido a otro joven aficionado al blues llamado Billy Cox, un bajista con el que formaría el dúo de R&B The King Casuals.
Al mismo tiempo, sus habilidades guitarreras serían contratadas como músico de sesión y de acompañamiento por gente tan importante en la época dentro de la música negra como Little Richard, King Curtis, Sam Cooke o los Isley Brothers. Estos trabajos le ayudarían a conocer el negocio desde dentro y a desarrollar sus maneras de expresión sonora.

Hendrix, sin embargo, no se acababa de encontrar a gusto como simple pieza de apoyo, quería dirigir su propia carrera para así poder desplegar toda la creatividad que llevaba dentro.

Lo que hizo fue mudarse en 1965 a la ciudad de Nueva York y comenzar a tocar en los clubs de la gran urbe. Se uniría a los grupos de John Hammon Jr. y Curtis Knight, sin conseguir liderar una banda propia.
Sería en 1966 cuando formó los Blue Flames (con Randy California) y se rebautizó como Jimmy James cuando lograría conformar por fin un grupo que comenzaría a actuar regularmente por los locales neoyorquinos.
Una noche que actuaban en uno de ellos, el "Café Wha,", los Jimmy James & The Blue Flames fueron vistos por el ex bajista del grupo británico de R&B The Animals Chas Chandler.
El avispado Chandler se dio cuenta del tremendo potencial sónico que poseía aquel guitarrista zurdo de raza negra y nada más terminar el concierto, se le acercó y le rogó que le acompañase a las Islas Británicas, en donde intentaría lanzarlo como solista. Jimi aceptó.

Chandler junto a Mike Jeffries (Jeffery) se convirtieron en sus representantes y después de buscarle tras varias audiciones a dos valiosos acompañantes como Noel Redding (al bajo) y Mitch Mitchell (a la batería) decidieron denominar al trío liderado por Hendrix como la Jimi Hendrix Experience, terceto que debutó en directo en octubre de 1966 en la ciudad francesa de Evereux.

Poco después fue presentado en Londres ante una selectiva audiencia, nada más y nada menos que gente como Eric Clapton, Brian Jones o Pete Townshend asistieron al concierto de la Experience.
Con la boca abierta tras la explosión guitarrera de la Fender Stratocaster de Hendrix, los famosos músicos se planteaban incluso la retirada.

A finales de año, la Experience publicaba en Polydor su primer y exitoso sencillo, la versión más célebre del tema "Hey Joe" (número 6 en listas) que tendría una espléndida continuación con "Purple Haze" (número 3) y "The Wind Cries Mary" (número 6), composiciones propias que también triunfaron en ventas.
Si en el aspecto comercial sus vinilos alcanzaron la máxima nota, sería con sus ardientes conciertos con los cuales Jimi Hendrix pasaría a la historia.

El rock, alimentado por sus raíces blues y la pirotecnia psicodélica esgrimida desde el más flameante sentimiento centraban las correrías guitarreras repletas de distorsión, wah-wah y feedbacks en espontáneas y lúbricas actuaciones con asiduas ritualizaciones encendidas de su amado instrumento.
Su primer Lp que llegaría al número 2 en el chart británico, "Are You Experienced?" (1967) es sin duda, uno de los mejores discos debut de un artista rock en toda la historia del género y problabemente el más satisfactorio de Hendrix, tanto por su exploración sonora llena de vistuosismo como por las mismas composiciones, unos espléndidos temas de mezcolanza rock, psicodelia, pop, soul y R&B.
También conseguiría triunfar en su país natal a raíz de su impresionante aparición en el Festival de Monterey, acaecido en 1967 (aparición recomendada a los organizadores por el mismísimo Paul McCartney).

Tras grabar su cuarto sencillo, "Burning of the midnight lamp" que no ofreció los resultados comerciales de los anteriores aunque entró entre los 20 más vendidos, La Jimi Hendrix Experience presentó su segundo trabajo en disco grande, "Axis: Bols As Love" (1967), otro estupendo disco aparecido a finales del mismo año con grande temas como "If six was nine", "Little wing" o "Bold as love" y colaboraciones vocales de gente como Graham Nash o Roy Wood.
Después de la publicación del doble "Electric Ladyland" (1968), las relaciones entre Noel Redding y Hendrix se hicieron insoportables culminando las disputas con la marcha del bajista del grupo.
"Electric Ladyland" era otro trabajo de gran experimentación que brillaba en canciones como "Voodo Chile (A Slight Return)", "Rainy Day, Dream Away" o la versión de Bob Dylan "All Along The Watchtower" y que contaba con apoyos de grandes nombres de la música británica como Steve Winwood al órgano o Chris Wood a la flauta, además de, entre otros, el americano Al Kooper al piano.

La vida de Hendrix a finales del 68 y todo el 69 se tornó muy inestable. Su terrible adicción a las drogas y su inestabilidad emocional provocaban un comportamiento vacilante. Problemas legales, arrestos en Suecia y Canadá y conflictos personales iban acrecentando estas contrariedades.
Chandler abandonó su representación y Jimi dejó aparcado el proyecto de la Experience para fundar Band of Gypsies, un nuevo formato trío completado por su antiguo compañero Billy Cox al bajo y el batería Buddy Miles.
Su actuación en Woodstock (en la cual estarían Cox, Mitchell, Larry Lee, Jerry Vélez y Juma Sultan) volvería a resultar muy llamativa, en especial debido a su interpretación del"Star-Spangled Banner".

Los tres grabarían el Lp en directo "Band of Gypsies" (1970), obra de mediana calidad que recogía su actuación en el Fillmore East de Nueva York.
El estilo funky de la batería de Miles no convencía a Hendrix y éste rompería la formación abandonando a la banda en plena concierto en el Madison Square Garden.
Un desorientado Jimi recuperaba al batería Mitch Mitchell y proyectaba la grabación de un nuevo album doble, "Firts rays of new rising sun", disco que nunca vería publicado en vida.
Con Cox y Mitchell seguiría actuando, incluso en el famoso Festival de la Isla de Wight en agosto de 1970.
Un mes más tarde, su compañera sentimenal, Mónika Danneman, lo encontraría muerto en su habitación londinense debido a un ahogamiento con su propio vómito provocado por la ingesta de drogas.
Era el 18 de septiembre de 1970 y el ídolo de la guitarra contaba solamente con 27 años de edad.

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Sat, 26 Aug 2006 18:16:00 +0000

Fender Stratocaster

Fender Stratocaster

Fabricante	Fender
Periodo	1954 — presente
Construcción
Tipo de Cuerpo	Macizo
Unión (cuerpo-mástil)	Atornillado
Maderas
Cuerpo	Aliso o Ash
Mástil	Arce
Trastes	Arce, Palo Rosa
Hardware
Puente	Synchronized Tremolo
Pastillas	3 Single coil
Colores Disponibles

La guitarra Fender Stratocaster, es una de las guitarras más comunes que existen; músicos como Eric Clapton, Stevie Ray Vaughan, Mark Knopfler, Dave Murray , Jimi Hendrix, Ritchie Blackmore o Billie Joe Armstrong son algunos de los que utilizan o han utilizado este conocido modelo de la marca Fender. Se sabe que David Gilmour, guitarrista líder de la banda Pink Floyd, posee la guitarra número 00001 de esta serie.

La Stratocaster es una guitarra eléctrica diseñada por Leo Fender en 1954 que sigue fabricándose hoy en día, al punto que ha sido "copiada" por diferentes marcas, algunas incluso bajo la autorización de Fender, por ejemplo "Behringer", pero el clavijero de la guitarra sigue estando patentado, por lo tanto no puede ser copiado. En las guitarras Squier sí es exacto el diseño, ya que las fabrica la propia Fender. Es la relación equivalente a Epiphone - Gibson.

El primer modelo de Stratocaster fue concebido como una evolución natural de otra guitarra diseñada por el mismo Leo Fender, anterior a ésta y que aún se comercializa con mucho éxito: La Telecaster. Respecto a su predecesora, la comúnmente llamada "Strat" muestra una forma más estilizada y cómoda en su cuerpo (con dos "cut-aways"), y una pastilla más en su construcción. El selector de pastillas del modelo tradicional cuenta con 5 posiciones diferenciadas, dos de las cuales activan a la vez dos pastillas de la guitarra, conectándolas en paralelo. Esas posiciones supusieron en la época el mayor reclamo de la Strat frente a la Telecaster.

Sin embargo, el mayor de los atractivos de esta guitarra radica en su sonido. En las tres posiciones extremas del selector se activan una a una las pastillas (de bobinado simple), que le confieren al instrumento una gama de sonidos extensa y fructífera. Profundamente sensible al ataque de la púa, el tono de la Strat es considerado uno de los más característicos de la historia de la guitarra moderna. Por su parte, las dos posiciones intermedias (conexión en paralelo) le otorgan al sonido un cariz mucho más líquido y profundo. Es por eso que la Stratocaster se considera una guitarra adecuada para multitud de estilos musicales, prácticamente camaleónica. Tiene sentimiento para el Blues, Groove para el funk, Punch para el rock, textura para el jazz y comodidad para el heavy metal

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Tue, 08 Aug 2006 18:31:00 +0000

Pos ahi va, una lección de Jazz para guitarra. De algo servirá para cambiar un poco lo que a veces hacemos tedioso en los sólos de guitarra. Metaleros absténganse, ustedes buscan sonar muy virtuosos y este ejercicio es para sonar musicales y con feeling, mejor visiten un sitio de Malmsteen o algún presumido de ese tipo.

Ah sí, la lección:

Al igual que en el Blues y en le Rock la progresion básica del Jazz consiste en tres intervalos dispuestos de la siguiente forma: II-V7-I, de manera que la tonica va a estar marcada por el ultimo grado de la misma. Se utilizan acordes septimas y dominantes para darle un sonido peculiar, bien caracterisica del estilo. Uno de los sonidos populares del Jazz es el uso de acordes alternados, estos marcan la gran diferencia con otros estilos de musica. El sonido mas jazzistico puede escucharse en los acordes dominantes 7ma con la 5ta disminuida, la formala de este serie: I-III-bV-bIIV o bien 1-3-5b-7b. Los acordes de jazz suelen ser muy complicados y los cambios bastante dificiles de lograr, pero con paciencia y con saliva... El ser un buen musico de Jazz requiere de mucha habilidad y conocimiento, un ejemplo de un excelente guitarrista de Jazz argentino es Luis Salinas, quien toca diferentes estilos de musica tambien.

En el siguiente cuadro hay algunas progresiones basicas en varias tonalidades. Nota que son progresiones básicas, suelen usarse mas acordes alterados reemplazando los acordes basicos.

En D

Emin7         A7          Dmaj7
/ / / /      / / / /     / / / /  / / / /

En C

Dmin7          G7         Cmaj7
/ / / /       / / / /    / / / /   / / / /

En Bb

Cmin7         F7        Bbmaj7
/ / / /      / / / /   / / / /  / / / /

En el siguiente cuadro se muestran las progresiones de Jazz comunes en todas las tonalidades

Tonalidad	II	V7	I
C	Dmin7	G7	Cmaj7
F	Gmin7	C7	Fmaj7
Bb	Cmin7	F7	Bbmaj7
Eb	Fmin7	Bb7	Ebmaj7
Ab	Bbmin7	Eb7	Abmaj7
Db	Ebmin7	Ab7	Dbmaj7
Gb	Abmin7	Db7	Gbmaj7
B	C#min7	F#7	Bmaj7
E	F#min7	B7	Emaj7
A	Bmin7	E7	Amaj7
D	Emin7	A7	Dmaj7
G	Amin7	D7	Gmaj7

La siguiente progresion es bastante mas dificil que las comunes, inteta tocarla sin usar distorsion ni nada de eso.


Fmaj7         Cmin7    F7b5    Bbmaj7   Bbdim7 Gdim7     Amin7

E--------------|---------------|-----------|------------|----------
B--1--3--5--6--|--8--10--6-----|--6--8--6--|--5--2------|-----5----
G--2-----5-----|--8------8--7--|--7--------|--6--3--3---|--5-------
D--2-----3-----|--8------7-----|--7--------|--5--2------|--5-------
A--------------|---------------|-----------|------------|----------
E--1-----5-----|--8------7-----|--6--------|--6--3------|--5-------

  D7b5    Gmin7  C7b5    Amin7    D7b5      Gmin9   C7b5      Fmaj7

E--------|-----5--------|------10--10------|----------------|--5-----
B--3--5--|--6-----7--8--|--13------9---10--|--10--11--7--8--|--5--8--
G--1-----|--7-----9-----|--12------11------|--10------9-----|--5-----
D--4-----|--5-----8-----|--10------10------|--8-------8-----|--7-----
A--3-----|--------------|--12--------------|--10------------|--8-----
E--------|--6-----8-----|------------------|----------8-----|--------
        

       Cmin7   F7b5     Bbmaj7   Dbdim7   Bbdim7  Amin7    D7b5

E----|--------------|-------------|-------------|--8--------------|
B-6--|--8--10--6----|-10--10--11--|--8-----5----|--8--10--9---10--|
G----|--8------8--8-|-10----------|--9-----6----|--5------11------|
D----|--8------7----|-8-----------|--8-----5----|--7------10------|
A----|--------------|-------------|-------------|-----------------|
E----|--8------7----|-10----------|--9-----6----|---------10------|


  Gmin7    C7b5    F6  Bbmin6  F6

E---10-------------|----------|-----|-------------------
B---11--11--11-----|--6----6--|--6--|-------------------
G---10------11--9--|--7----6--|--7--|-------------------
D---12------14-----|--7----5--|--7--|-------------------
A---10------15-----|----------|-----|-------------------
E------------------|--8----6--|--8--|-------------------

Fuente Original

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Tue, 08 Aug 2006 18:18:00 +0000

hayquedespertar: The Who en Zaragoza

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Tue, 08 Aug 2006 18:16:00 +0000

HBCC...Stay Handsome...Welcome to

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Sun, 23 Jul 2006 20:40:00 +0000

El Maestro Lennon

Nació, todos lo sabemos, el 9 de Octubre de 1940 durante un bombardeo Nazi en el puerto de Liverpool. Perteneció a la generación nacida durante la Segunda Guerra Mundial y fue criado por su Tía Mimí (Mary Elizabeth King-Stanley) y perdió a su madre Julia cuando tenía 16 (asunto que lo amargó tanto que por eso compuso temas ásperos y desgarradores como Mother, In my life, Mind Games, God y Yer Blues).

John Winston Lennon fue el gurú del cambio cultural musical de los años 60 y todos los artistas tanto musicales como gráficos y literarios y al parecer no le prestó mucha atención a la influencia que ejercía en los señalados así como en la juventud que creció inclinándose a la izquierda involuntaria llegando al pacifismo radical que creó al movimiento Hippie y una década después al movimiento Punk.

Lennon no solo fue el titular en todos los temas Beatle firmados como Lennon-McCartney sino que fue considerado como el líder indiscutible de la banda más influyente de la historia y todos los ojos del mundo se fijaron en su inusual romance con la Artista de Vanguardia Yoko Ono (cultural y profesionalmente superior a él) a la que todo el mundo condenó por separar a The Beatles y además... por fea (aunque para los orientales -y para un servidor- Yoko es una mujer peculiarmente atractiva). Curiosamente Yoko es actualmente y a sus 70 y tantos una modelo bastante cotizadita.

John se cambió el nombre a John Ono Lennon el día que se casó con Yoko y de ahí en adelante se conviertieron en lo que yo llamo "El romance más ilustre y mas puro de la historia". En la etapa posterior al casamiento, John y Paul McCartney comenzaron a tener una bizarra relación de amistad y una mezquina relación profesional que puede apreciarse en la película "Let it be" (terrible documental de Al Brodax que trató de detallar una sesión de grabación logrando ir al fondo de la más terrible etapa de los Beatles). Al finalizar los sesentas estaban inmiscuídos en un mar de afrentas personales y legales que desbarataron al grupo dejando de lado y en la humilde posición de comparasas al genio George Harrison y al gentil Ringo Starr.

Los setenta retrtaron a un Lennon político y activista de izquierda que quiso vivir en los Estados Unidos ante su propia ironía de ser pacisfista y antivietnam echándose encima a un poderoso enemigo como Richrd Nixon y la radical ultraderecha que puso en manos de un deshubicado social e inestable mental como Mark David Chapman un revolver 38 Special para asesinar a quien consideraban un peligro para la Unión Americana.

Lennon preguntó y nadie le respondió pero sí dejó un legado que aún hoy nuestros hijos siguen escuchando.