Talking bout my generation - Idea musical, The Who

A 48 años de haber lanzado su primer disco sencillo (en el hoy histórico formato de vinil de 45 rpm), "I can't explain", The Who ha alcanzado el histórico record de haber sido a nivel mundial la banda que llevó al Rock mas lejos que nadie.

Qué podría decirse de The Who que no se haya dicho ya?, su biografía ha merecido miles, o tal vez cientos de miles, de espacios web y páginas enteras en revistas, libros y periódicos, es probablemente el grupo británico de rock que, después de beatles y stones, ha sido considerado como una de las bases fundamentales del Rock como es concebido hoy en día. La afamada y respetada revista "Rolling Stone" (sin relación genérica con la banda del mismo nombre) dijo hace tiempo lo siguiente: "Junto con The Beatles y The Rolling Stones, The Who completa la santísima trinidad del rock británico" y, a pesar de que para muchos creyentes eso pueda representar una blasfemia, es acertadamente cierto, The Who es esa tercera parte que hizo crecer los parámetros de la música a niveles insospechados pero convendría hacer un breve énfasis en lo relativo a lo que cada uno de esos grupos representó concretamente en los años sesenta.

The Beatles, los universales. Son considerados hasta hoy en día el grupo mas representativo del rock en la historia de la humanidad. Se han convertido en íconos sociales incluso y cuentan con un culto inmenso a lo largo y ancho del mundo. Cabe a México el orgullo de tener el segundo lugar en ese sentido y, lo mas sorprendente, la Ciudad de México posée el 80% de ese culto en el país. En su momento fueron un lanzamiento artístico en manos del empresario Brian Epstein y representaron por un tiempo un grupo juvenil orientado a divertir adolescentes desmadradas pero eventualmente llegó la "Beatlemanía" y se apoderó del globo entero, incluído México, y su difusión fue tal que tanto las modas como los estudiosos serios se ocuparon de Los Beatles logrando que el mundo entero cambiara dramáticamente desde la forma de vestir hasta la forma de pensar. Antes de The Beatles no existían melenudos ni ideologías revolucionario sociales que hoy son tan diversas como habitantes hay en el planeta.

The Rolling Stones, los barbajanes. Aunque se da mucho por señalar lo contrario, no fueron ni equivocadamente la respuesta "Cockney" (londinense) a The Beatles. De hecho acertadamente se puede decir que los Stones fueron ideados mucho antes del lanzamiento de aquellos y se creó a aprtir de la afición al Blues mas que del Rock. Sus fundadores, Mick Jagger y Keith Richards, a diferencia de John Lennon y Paul McCartney, fueron jóvenes de clase media alta que estudiaban en la ciudad y vivían en los suburbios. Su conjunción con Brian Jones, el músico real del grupo, fue accidentada pero prolífica y eran, los tres, los sujetos mas desgraciados y machistas que se pudiera haber conocido en esos días. Su lanzamiento fue, sin embargo, a modo de aprovechar la manía que se dio por los grupos ingleses en norteamérica y su imagen de malditos fue adoptada por adolescentes rebeldes, tanto chicas como chicos, que no encontraban en The Beatles la "Satisfacción" que buscaban y que los Stones, con sus blues comercializado y sus baladas ramplonas, les daban. Hoy son considerados una leyenda pero siempre han estado un paso atrás del esplendor de The Beatles.

The Who, los elitistas. Suena un poco injusto calificarlos de esa manera pero definitivamente The Who fueron un grupo elitista. A pesar de que comenzaron tan proletarios como los dos anteriores, sus managers los encarrilaron bien y comercialmente como representantes de la corriente social denominada MOD (corriente del proletariado que desahogaba sus ímpetus narcicistas en el consumismo orientado a la moda italiana -motos, ropa, etc-, el sexo libre, el rythm&blues, el jazz y las anfetaminas relativamente inocentes) aunque solo dos de ellos fueran netamente Mods (Pete Townshend y Keith Moon). Su ascenso al estrellato fue el pilar que estableció el circuito London del Rock y le otorgó al Rock mismo la bandera Union Jack (la de la Gran Bretaña) y de ese modo el público comenzó a cobijar tendencias que se independizaron del beatleismo. Tal fue el caso de Cream (con Eric Clapton), Pink Floyd (en ese entonces lidereado por Syd Barret), Jeff Beck y The Jimi Hendrix Experience. Sonará algo absurdo, pero el éxito de The Who ya entonces, se limitaba a la Gran Bretaña, Francia, Italia y círculos de clase alta en Estados Unidos (por chicos de padres adinerados que enviaban a sus hijos de paseo a Europa). Incluso ya bien entrados los años setenta, poco se conocía de The Who en México y Latinoamérica, en donde se conocieron bien con el lanzamiento de la película de Ken Russel, Tommy The Movie, en 1975, basada en el album que el grupo había grabado en 1969. Aún así es necesario mencionar que The Who fue bien acogido en Estados Unidos a partir de 1967 después de que se presentaran en el "Monterey International Pop Festival" en el que también sañtaron a la notoriedad tanto Janis Joplin como el venerado Jimi Hendrix llevado al escenario de la mano del Rolling Stone Brian Jones.

The Who, unos mendaz muy legales

Elitistas o no, The Who rompían con todo lo presentado antes de ellos. Tenían una apariencia que hacía pensar en chicos bien portados que solían pedir permiso en casa para salir al baile y sus caras inspiraban la confianza a todos los padres de chiquillas, cosa que aprovecharon para lanzar cuestiones aún mas insoletentes todavía que las presentadas hasta entonces por The Rolling Stones. Pareciera mentira mencionar que "I can't explain" resultaba mas dolosa e insolentemente rebelde que la propia "(I can't get no) Satisfaction" de sus satánicas majestades y su anthem ideológico y cántico glorioso, "My Generation" se montó sobre la moral de los hipócritas que buscaban que sus hijos tuvieran estabilidad y sus hijas un buen partido. "My Generation" fue temporalmente vetada en Estados Unidos precisamente por su contenido "existencialista" pero ya era tarde, a esas alturas el grupo había colocado "A quick one", un disco LP que rompía con precedentes de todo tipo y hasta se daba el lujo de batir políticamente a todas las manifestaciones juveniles del tipo. Incluso The Beatles trataron de combatirlos con su "Magical Mistery Tour" pero ni Jimi Hendrix logró minarles la aceptación del respetable.

Pero, en qué consiste la revoluciópn de The Who y por qué marcó a la era moderna?. Un excelente pretexto para analizar a profundidad a The Who como un grupo que rompió con su propia marca es el hecho de que Pete Townshend y Keith Moon hacían un ritual psicosocial existencialista (propio de los Mods) en el que su acto culminaba con la destrucción del equipo (excepción brillante siempre fue el bajo de John Entwistle). En ese momento el destruir guitarras era una excentricidad propia de músicos con presupuesto y lo repitieron por todos los rincones del orbe muchísimos artistas pero solamente The Who y Jimi Hendrix conservaron la corona, aunque por razones totalmente opuestas. Pero Pete Twonshend era algo mas que un chamaco Mod desahogándose destruyendo guitarras. Pete es, aún hoy, el músico que busca mas allá de sí mismo y llevó a su grupo a límites insospechados que colocaron a The Who en lo que ya mencioné antes, un ícono del Rock y parte de la Santísima Trinidad del Rock Británico.

La alineación muy peculiar de The Who fue inspirada después de que Roger Daltrey (en esos días de sus accidentados inicios, guitarrista líder y jefe del grupo) echara a patadas a Colin Dawnson, su vocalista original, porque, decía, estaba "harto" de la mediocridad de Colin (esto lo revelaría en los años setenta después de que Dawnson tuviera la ocurrencia de querer demandar al grupo por derechos de autor de una canción de Pete. Dawnson perdió, por cierto). Roger decidió, asusado por el bajista John Entwistle, pasarse de la guitarra a la primera voz luego de que vieron actuar al grupo londinense "Johnny Kid and The Pirates" (que consistía en un vocalista, un guitarrista, un bajista y el baterista) y, también presionado por John, sugirió que Pete se pasara al venerado estatus de guitarrista líder. Pete lo hizo pero además asumió la responsabilidad de crear las canciones y comenzaron a tocarlas casi desde que iniciaron con esa alineación. Roger, John y Pete se convirtieron así en una central eléctrica que obtenía un suerente y formidable sonido tomando lo mejor de sus influencias y aportando, además, cosas nuevas saturando sus amplificadores valiéndose también de pedales de eco y trucos de distorsión. Pero el sonido del grupo se escuchaba poco fuerte por un tiempo debido a la actitud tibia de Doug Sandom, su baterista de ese entonces, y durante una actuación en Brighton (patria y refugio de los mods), se subió al escenario un tipo medio alocado por las anfetaminas y el alcohol, se acercó a John y le dijo: "Déjame tocar los tambores, ese bastardo toca como señorita". John, maquiavélico como solía ser, sonrió y sin dejar de tocar se lo permitió. El sujeto arrojó a Doug y se plantó en la batería levantando el vuelo y haciendo que el grupo fuera obligado a tocar por casi seis horas. El sujeto era nada menos que el demente Keith Moon quien, a partir de eso, fue fichado formalmente como baterista de The Who.

The Who, con ese poderoso arsenal comenzó a apoderarse de Londres y sus alrededores. Muchos mitos e historias se crearon en torno al grupo, nació la leyenda y aún no pasaban de sus limítrofes geográficas cuando ya eran motivo de temor para sus colegas beatles y rolling stones. Fue cuando John Phillips, que visitaba regularmente Londres, los llevó a Monterey California a presentarse en el festival de Jazz y música Pop que The Who y Jimi Hendrix rompieron el romanticismo beatle en mil pedazos. La guitarra filosa como navaja de Pete y la batería aplastante como escuadrón de guerra por parte de Keith Moon hacían que The Who consiguiera hacer con solo tres instrumentos, el mismo escándalo que un batallón de infantería. Los fieros acordes y riffs que no buscaban neciamente un solo gratuito (pero que salían de manera espontánea) y el bajeo supersónico de John apoyaron con fuerza la poderosa voz de Roger Daltrey. nacieron también sus personalidades muy marcadas en ese momento. Roger moviéndose como chimpancé imitando los gestos del público y arrojando el micrófono como un sedal de pesca regresándolo a su punto de partida en sus manos para seguir cantando (antológica esa azaña cuando Roger derribó con el micro a una gringa que estaba sentada en los hombros de su, supongo, novio, azaña que los Simpson parodiaron en el capítulo en el que The Who aparece en ese programa). Pete moviendo el brazo derecho como un molino y pegando saltos que alcanzaban el cielo golpeando ocasionalmente su guitarra contra la base del micro y otras veces contra los amplificadores. Keith con mirada desquiciada aporreando a matar su batería obteniendo el sonido que al menos dos bateristas de otros grupos apenas habrían podido conseguir, secundando a Pete en la actitud odio-amor que desintegraba cada elemento del costoso equipo dle grupo. John, el simpático y macabro John, el quieto, el que solo tenía un ocasional movimiento de ceja y permanecía mas quieto que una piedra. De no haber sido por la impasividad de John, probalemente el grupo hubiera volado varias veces por los aires.

La étapa de los superfestivales, 1968-70, fue el germinador de la leyenda que acompaña al grupo en la historia. Su primer presentación en un acto de esta naturaleza fue, como ya dije, "International Monterey Pop Festival" en 1967 seguida por "Woodstock", cuya presentación fue tal vez la mas venerada y tipificada a lo largo de la historia tanto por el lado cultural como por el artístico. Tommy, su ópera rock, vino a apoderarse de la escena y ayudó a cubrir la graciosa huida de Pete de su acto de destrucción, al que ya no quería recurrir. Ese periódo hizo que The Who intentara buscar su propia identidad (que irónicamente ya tenían y, de hecho, ellos eran la banda que mas identidad propia tenía). El bajista John Entwistle tomó cierto liderato que se reflejó en sus canciones "Heaven and Hell" y "Whiskey man" (Heaven and hell por cierto encabezó todos los conciertos del grupo por ese entonces). Rompieron con su representación del movimiento Mod y se dejaron el cabello mas largo de lo habitual. El festival de la Isla de Wight fue una dramática culminación de toda la parafernalia que no le fue bien a todos los artistas del momento. Ahí volvieron a compartir escenario con Jimi Hendrix que esta vez venía en un plan tan sobrio y sofisticado que, para el gusto de muchos resultaba una decepción aunque en realidad, y para mi gusto como su fan, fue tal vez una de las mejores presentaciones de Jimi. Después de ese concierto, en el que tuvieron como lambiscón principal al tan mentado rey lagarto (ese tal Jim morrison), Jimi Hendrix falleció, The Beatles anunciaron su separación, The Rolling Stones se recuperaban de la muerte, acaecida un año antes, de Brian Jones. Vietnam estaba en su punto mas crítico y el sonido progresivo de bandas como Jethro Tull, un renovado Pink Floyd, Ten years after, ELP y Moody Blues comenzaban a cobrar fuerza. Era entonces una verdadera ironía que el sonido y la propuesta de Pete amenazara con aplastarlos a ellos también.

1971 representó una especie de ocaso virtual para la escena, las cosas habían dado un giro inesperado e imperceptible y en esa vuelta lanzó a casi todos al vacío. Janis Joplin murió por sobredósis, el rey lagarto también. Los Rolling Stones se habían enfrascado en un sonido crudo y agresivo pero al mismo tiempo se iban al extremo del folk y el contry americanos y se habían refugiado en Francia huyendo del fisco británico. Los Animales de Eric Burdon eran historia y Los Beates se habían divorciado de una manera cruel, dura y triste. Elotrora mancuerna de ese grupo, el antes poderoso Paul McCartney comenzó a hacer música con toneladas de azúcar y piropos a todo lo que antes parecía haber despreciado. Se había vendido. John Lennon no tuvo mejor suerte y su música era depresiva y con demasiados lamentos acompañado de una mujer a la que solo él podía encontrarle encantos, en caso de que tuviera alguno. Pero curiosamente en The Who las cosas cambiaron en otro sentido. A partir de "Tommy", Pete comenzó a buscar hacia sus principios básicos y las guitarras acústicas y el piano habían hecho acto de presencia, lo mismo John con su cuerno inglés y la voz de Roger comenzaba a orientarse a un estilo mas fuerte, brillante y puro. Por primera vez por cierto, Keith Moon se integraba a la parte creativa y dejaba de lado la voluptuosidad de su sonido aplanador pasándose a lo melodioso sin dejar la actitud de músico de rock. Aunque mas tarde Tommy se convirtió en una verdadera pesadilla, ese disco marcó el principio del fin de la estridencia para dar paso al legado artístico y, no es que antes hubieran sido malos, en realidad todo obedecía a una gran necesidad de reinventarse y renovarse, precaución que solo sus colegas Stonianos habían tenido.

En el momento en que el rock pasaba su mas trágico momento, The Who y Rolling Stones se quedaban como los únicos contendientes por la corona saliendo avantes a las eventualidades. Ahora tenían competidores mas duros con Deep Purple, Black Sabbath, Led Zeppelin y Pink Floyd, aunque Black Sabbath y Led Zeppelin estuvieran explotando la fórmula inventada por The Who (y Jeff Beck). A este punto The Who volvió a dar una sorpresa. Ya en 1967 "A quick one" era todo un reto para los reyes de entonces, Los Beatles especialmente, y en 1969 Tommy barría con lo propuesto hasta entonces (el propio Jimi Hendrix elogió al cansancio ese disco), El espectáculo de Pete era, para variar, la vanguardia en muchos sentidos y el mismísimo Eric Clapton lo tomaba como referencia al menos en el uso de la amplificación. Jeff Beck, en ese entonces rival de Clapton y Jimmy Page y principal detractor de Jimi Hendrix, defendía a capa y espada a Pete Townshend. Él y eventualmente David Coverdale (por un tiempo vocalista de Deep Purple) sostuvieron la hipótesis de que Led Zeppelin, y muchos otros, habían copiado vilmente a The Who, lo que en cierto modo es cierto. De tal suerte todo lo anterior, que los conciertos del grupo sostenidos al final de la década, señalaron los derroteros y puntos de partida artísticos que hoy son hasta materia en algunas escuelas modernas de música.

La nueva sorpresa fue "Who's Next", para la consideración de propios y ajenos y de los fans acérrimos, el mejor disco que The Who haya realizado y, de hecho, uno de los mejores discos de Rock hechos en la historia de la música compartiendo galas con "Sergeant Pepper's", "Beggars Banquet", "Abbey Road", "Exile on main street" y "Hotel California". "Who's Next" marcó el parteaguas y dio fin al cuarteto de instrumentos básicos que se subía a un escenario con un back line específico, para dar lugar a todo un complejo sistema que incluía sintetizadores Moog y orquestadores computarizados (en aquel entonces con cintas y tarjetas perforadas), fueron en esto el primer grupo en valerse de la tecnología, lo que hizo que los grupos progresivos tuvieran esperanza de tocar sus trabajos complejos en vivo. "Won't get fooled again" vino a detronar a "My Generation" y "Baba O'Rilley" hizo lo propio con "I can't explain". "Behind blue eyes" conquistó al mundo y las estaciones de radio en tanto John arrebataba su lugar con "My wife", una sardónica canción que seguía demostrando su muy especial sentido del humor, negro como la noche. Roger Daltrey traía su melena larga y rizada estableciendo el modelo de vocalista de rock y el loco Moon comenzó a desbordar sus excesos, destruyendo las habitaciones de hotel, tirando autos Rolls Royce a las piscinas de los mismos y envolviéndose en repetidos escándalos. Varios años antes, en el esplendor del London Swinging, él y Pete eran el parejo de Mods destructivos y con actitud, al iniciar la década siguiente Pete se volvía hacia la filosofía y el budismo mientras el monstruo interno de Keith crecía cada vez mas. Sus demonios, lejos de alejarse, comenzaron a hacer presa del baterista de 28 años.

Pero la tripla al frente (John, Roger y Pete) cobraron fuerza y en ese momento se convirtieron nuevamente en la principal atracción del Rock. Se adelantaron otra vez a su tiempo y superaron todas las pruebas que el Rock pudiera haber tenido que enfrentar al trascender de los años sesenta, en que era relativamente mas sencillo convertirse en astro de rock, a los años setenta, en los que se requería algo mas que simplemente tocar un instrumento. Los años setenta exigían maestría y cultura musical, buena imagen y actitud, Se requería ser músico joven, o de ideas jóvenes, para ocupar los tronos. Habían surgido grupos nuevos y muy competentes como Queen, Mott the hopple, Eagles, Peter Frampton, UFO, Genesis, Yes, ELP y algunos mas que casi hacían los llenos de The Who y Rolling Stones en estadios, ya no en teatros. Los setenta representaban una nueva generación que estaba compuesta de adolescentes que dificilmente habían escuchado a los invasores británicos en 1964 ya que en ese entonces eran niños de kinder o del equivalente a la primaria. El reto entonces era conquistar un público totalmente nuevo lo que era lo mismo a convertirse en un grupo que comenzaba, tal y como lo habían hecho apenas seis años antes de grabar "Who's Next" y diez antes de cubrir extensas giras para conservar su nombre.

Pero los setentas fueron paradójicamente decisivos para el grupo. Por un lado John, Roger y Pete se consolidaban como maestros del rock y por el otro, Keith comenzaba a demostrar tendencias a la autodestrucción. En los sesentas Keith se había mostrado como un agresivo baterista un tanto burgués cumplidor de su posición como representante Mod pero en los setenta había perdido la pista y sus veladas de varios días acompañadas de alcohol y anfetaminas se hicieron célebres. Ringo Starr, ex baterista de Los Beatles, seguía su juego al que luego trajeron a John Lennon con quien se aventaron el famoso "Fin de semana perdido". Pero en cuanto a música las cosas no iban hacia atrás. 1974-75 representó el zenit en la carrera del grupo. Fue su cúspide y de hecho se convirtieron en un ícono mundial. Todo aquel que quisiera ser considerado como rocker de corazón tendría que ver a The Who y tener al menos uno de sus discos para ello. Y si pete había tratado de refinarse, el grupo se convirtió en el generador de energía mas poderoso del mundo. Los brincos de Pete y su guitarra se apoderaron de la actitud general, el bajo de John era cada vez mas maestro y poderoso en tanto la voz de Roger era probablemente la mas solida del rock. Esto aunado a las repentinas intervenciones de Pete en la voz de algunas canciones y de John cantando sus propias canciones. The Who se convirtió en esa época en el grupo mas ruidoso del mundo pero también en el mejor en escena y ganó, por cierto, muchos discos de oro, plata y platino. Llegaron al grado tal que Robert Stigwood negoció con ellos la realización de "Tommy The Movie" que, aunque cuenta la historia del chico ciego, sordo y mudo, tiene una excelente escena en la que The Who muestra toda su capacidad y su desarrollo aplicado en los conciertos. En ese momento no había asomo de duda, The Who era, y por mucho, el mejor grupo de rock en el mundo. Su obra Quadrophenia, había superado a Tommy en términos artísticos representando una de esas sorpresas acostumbradas por The Who.

La caída comenzó a manifestarse en la estabilidad de Keith Moon. Moonie se había hecho dependiente al alcohol y su tratamiento para dejarlo, lejos de ayudarlo, lo envolvió en una dependencia mas, hacia los fármacos. Tenía que tomar medicamentos controlados pero él no era controlado y tomaba impresionantes cocteles de pastillas que deterioraron severamente su salud y estabilidad psicológica. sus constantes accesos depresivos lo llevaron cada vez mas a seguir tomando y al mismo tiempo a depender de sus pastillas, comenzó entonces la caída mencionada cuando uno de sus amigos de parrandas, John Lennon dejó el alcohol para cuidar a su esposa y a su futuro bebé, Ringo Starr enfrentaba problemas por tener que firmar su divorcio y Harry Nilsson también comenzó a dejar el grupo de briagos que conformaban todos ellos. El cómico Mel Blanc (quien hacía la voz de Bugs Bunny), amigo personal de Keith mencionaría mas tarde que le asustaba el modo en que Keith podía pasar al menos una semana sin dormir debido a su descontrolado consumo de alcohol y medicamentos controlados. Entre 1975 y 1976 el grupo comenzó a espaciar sus actuaciones en consideración a Keith pero en la entrega de los Grammys de ese año, 1976, fueron derrotados varias veces por "Hotel California" de Eagles contra "Who by numbers" y eso enfadó mucho a Keith (no obstante, Eagles ha sostenido por años una estrecha y respetuosa amistad con The Who), aunque de hecho se habían comenzado a distanciar un poco en virtud a sus carreras solistas y a la catastrófica carrera de "actor" de Roger Daltrey. En el transcurso de finales del 76 a mediados del 77 se reconsideróa el volver a grabar pero incluso a esas alturas. En agosto de ese año sucedió algo que deprimió mucho a Keith Moon, la muerte de Elvis Presley a quien admiraba mucho pero de quien mas le asustó que las causas de su desceso fueran precisamente las adicciones.

Después de muchos experimentos en solitario por parte de los tres frontales de The Who, regresaron al estudio en 1978 para comenzar a grabar "Who are you". En ese año, y durante las grabaciones, filmaron un concierto realizado en Killbourn a fin de documentar su nuevo proyecto fílmico biográfico, The kids are alright, tratando de apoyar a Moonie. Pese a los esfuerzos, Keith falleció el 7 de septiembre. 1979 representó, si bien el lanzamiento póstumo de la película, un climax triste y sombrío en el que Pete decidió dejar las drogas (tal vez consumidas en modo menor pero al fin drogas) y John redirigía su repertorio solista. Decidieron volver a grabar en tributo a Keith, invitando a Kenney Jones para reemplazarlo. Sacaron Face Dances y luego it's hard pero lo bueno de The Who parecía permanecer mas en el escenario. A esas alturas el trabajo en estudio se había reducido a una rgresión al tiempo aquel en que fueron un grupo elitista programado únicamente para ser escuchados en Gran Bretaña.

Lo que haya sucedido después de eso con The Who ya es historia. Pete no dejó de ser ese guitarrista que es incluso hoy, roger no ha dejado de ser la voz característica del grupo. John partió también para alcanzar a Keith en junio del 2002 durante una gira mientras Pete y Roger continuaron en el escenario hasta el día de hoy en que siguen siendo esa leyenda nacida algún día de 1964 con un sonido que jamás será olvidado.

Messy Blues

Haciendo tu DEMO?

Si estás pensando armar un DEMO (maqueta) para presentar a ejecutivos, sería bueno que checaras esto.

La última vez que hice un DEMO de mi banda completa fue un asunto desastroso porque grabamos todo directamente a una cinta (cassette) a través de una consola SUNN Alpha 8 conectando todo junto (micros, bajo y guitarra) y tocando directamente como si fuera una actuación. Obviamente cuando alguien se equivocaba (casi siempre) teníamos que comenzar de cero la pieza y cuando finalmente lográbamos que saliera completa, el resultado era terrible tanto en claridad de sonido como en ecualización. Las cintas quedaron -terribles, pero quedaron- y hasta armamos un par de DEMOS, uno en español y otro en inglés, pero suenan como trabajos amateur.

Con el tiempo, y debido a que me separé de aquella banda, comencé a grabar yo por mi cuenta y comencé a utilizar algunos programas como Cakewalk y Sonar pero con el que mejor me hallé fue con el "Cool Edit Pro Ver 2.2" con el que además pude ecualizar, grabar por pistas y hasta modificar voces y énfasis aparte de muchas cosas.

Si el problema al crear el DEMO es que uno no es precisamente un experto en el estudio, "Cool Edit" ayuda a resover demasiadas cosas con las que uno habitualmente se enfrenta en estas cosas y hasta se integra a muchos otros programas también utilizados para crear un estudio casero usando una computadora y por ende el único problema que uno pudiera tener al final resultan ser cosas de la creatividad o bien del equipo y veremos por qué esto del equipo.

La mayoría de jóvenes guitarristas que quieren armar un DEMO lo quieren hacer utilizando el mismo efecto (y el mismo amplificador) que suelen usar en escena y esto ya es una complicación ya que es altamente sugerible grabar solos y arreglos sin pedales ni cajas de efectos, mucho menos usar pedales de efectos en riffs rítmicos o en rasgueos de acompañamiento porque "Cool Edit" tiene una interfaz que le otorga efectos al gusto del productor. Si aún así existe la necedad de utilizar estos efectos luego entonces se necesita tener un buen equipo de amplificación (toda vez que no suena igual un pedal "Metalzone" en un Amplificador Fender de 50 W que en un Samick o un Ibanez fabricados para practicar) aparte del cableado adecuado (por lo regular son preferibles los cables blindados que no sean HiFi) para poder conectar el amplificador a la computadora en donde por cierto hay que hacer toda una rutina de ecualización una vez conectado el equipo. Como sea actualmente existen pre amplificadores que conectan la guitarra directamente a la computadora sin problemas de ruido.

Si tienes plata suficiente tienes cualquiera de dos opciones: 1.- Pagar tiempo en un estudio profesional que es muy recomendable, ó 2.- Comprar equipo adecuado para montar un estudio casero. Si de cualquier manera has decidido que quieres experimentar con tu música y evitarte a un ingeniero "sabelotodo" y neurótico que "te permita" tocar en tu propio DEMO, luego entonces te sugiero altamente que visites este posteo en Taringa.Net que ahí te dan una completa guía de cómo montar tu propio estudio y hasta el software que puedes usar (y mejor aún, hasta lo puedes descargar de ahí mismo).

Si no tienes fondos suficientes y solo dispones de una vieja PC, tu guitarra y un amplificador (muchos de estos vienen de regalo con una guitarra barata comprada en una tienda departamental) es para ti este posteo dedicado con mucho aprecio.

Consideremos que tu guitarra conectada a tu ampli pasa demasiado ruido, te sugiero también que consigas los mejores cables blindados posibles (2 ó 3) -vuelvo a insistir en la importancia de que no sean HiFi- y un plug adaptador para conectar tu guitarra a la PC, generalmente en la entrada de micrófono, es por ello que necesitas poner los niveles de volumen a cero (y me refiero a la guitarra y distor con ampli en caso de usarlos) y partir de ahí para que puedas grabar sin ruido excesivo. Importante es que puedas monitorear lo que grabas utilizando bocinas de rango completo que puedan adaptarse a tu PC.

Ayuda mucho valerse de un teclado con algunas buenas voces como bajo, órgano, piano, violines (si eres ambicioso) y pueda facilitarte la inclusión de percusiones pero si no tienes teclado (ni bajo, ni batería) puedes trucar tu guitarra -en la compu- de tal manera que en el Cool Edit puedas bajar un par de octavas y así suene como bajo. Con la batería puedes hacer lo mismo haciendo sonar algunas cuerdas de tu guitarra y convirtiéndolas en el programa a instrumentos de percusión (snare, hi-hat, bass drum, tom tom, etc). Probablemente no quede como una maqueta de "Genesis" o de "Jethro Tull" pero experimentando puedes lograr cierta buena calidad.

Respecto aluso de pedales o cajas de efectos yo recomiendo evitarlos por el rango de sonido amplificado que por naturaleza proyectan -para ello fueron hechos- y porque tu guitarra "al natural" es más fácil de manejar pero, venga, reconozcamos que muchos somos prisioneros de los efectos al tocar sólos de guitarra así que te sugiero que si eres metalero uses el nivel de distorsión (o flanger, o phasor, etc) que acostumbras pero en nivel de salida (volumen) lo pongas exactamente al nivel en que suena tu guitarra sin efectos. Si eres bluesista, country o librepensante pues la tarea es menos complicada porque son estilos mas exigentes y por ende tendrás que sujetarte a menos distorsión por lo que el programa resulta mas adecuado aún.

Guitarra es guitarra y no existe un Dios ni ninguna ley que diga "Esta guitarra es la que debes usar", con una guitarra que no pase ruido, no mienta ni haga traste está bien aunque sí reconozco que yo por preferencia personal utilizo Stratocaster y Telecaster (ambas Fender Squier) conectadas a un amplificador Crush 10 de "Orange" pero una Les Paul o guitarras del tipo deben sonar bastante bien. Aquí mi insistencia en defender a capa y espada tanto a las "Squier" como a las "Epiphone", la primera Fender y la segunda Gibson que, pese a ser de manufactura oriental en serie, resultan ser de una muy especial calidad garantizada incluso en sus respectivos websites. A lo mejor es verdad aquello de que las guitarras caras en realidad lo único que hacen es venderte el nombre en la paleta (mástil).

Al grabar, cada canción debe arrojarte un archivo (llamado "session") que no sugiero acoplar -juntar las capas resultantes en un solo track- y que es bueno guardar exactamente como va quedando (no me refiero al sonido sino a los tracks) para que al final puedas exportarlo. Cuando ya hayas grabado unos cinco temas puedes precisamente exportarlos ya sea a formato "wav" o a formato "mp3". Recuerda que el wav es muy grande pero es de superior calidad al comprimido en mp3 así que recomiendo respaldar los wav resultantes en un CD específicamente destinado (como archivos, aclaro) y de ahí puedas hacer posteriores publicaciones a otros formatos. Casi olvido que las "sessions" también las guardes en otro disco tal y como queden al final para que en el futuro puedas editarlas y modificar uno o varios instrumentos en concreto sin tener que grabar todo de nueva cuenta.

Cuando ya hayas prensado un DEMO-CD (utilizando el Roxio, windows media player o el propio cool edit) en Tracks, lo que sigue ya queda en tus manos ya sea en el diseño de portada, fotos, presentación, etc. el límite son la imaginación y el criterio.

Hasta aquí mi buena intención de ayudarpero si eres experto en el tema o simplemente tienes otras (y mejores fuentes) te agradecería una ayudita para ampliar esto. Les envío mis mejores deseos y un abrazote.

Suerte con el DEMO!!!!

Historia del "Slider" en el Blues

Del "tubito" ese que usamos pa que la lira suene medio hawaiiana

Hace unos días practicaba yo y en esos ejercicios estaba usando el "Slide" (que yo llamo slider pero su correcto nombre es "Slide") y un amigo que me veía ensayar me dijo que ya me habìa visto usarlo tocando en vivo pero que no se explicaba cómo es que, los que lo usamos, podemos hacerlo toda vez que la guitarra se mueve medio tono a partir de la segunda cuerda lo que hace un tanto dificil seguir una secuencia a base de la rigidez del Slide.

Ciertamente para usar correctamente el slide es, o debería ser, necesario afinar la guitarra en una tonalidad "abierta" (un ejemplo sería la standard DADF#AD pero hay mas opciones) pero como no me atrae la idea de estar afinando y desafinando a cada rato pues a mí me dio por arreglármelas utilizando la afinación universal .225 que es EADGBE y me apaño a usar acordes tipo "A" en la parte media (de arriba hacia abajo) aunque no tengo una regla específica de recorrido (confesando que tampoco soy el Slide King por el momento) y reconozco que me cuesta un tanto mas de trabajo que si usara la otra opción de afinaciones. En fin, me vi sorprendido por la pregunta y comenzamos a tontear con canciones de Robert Johnson que, al igual que Muddy Waters, centraba mucho su sonido al "Bottleneck" que es el verdadero nombre de la técnica conocida como "sliding".

Vagando en retrospectiva e históricamente dentro del Blues, convendría tomar en cuenta que al inicio de la era bluesiana con los primeros acompañamientos de guitarra hubo otra manera de resolver el dilema de reemplazar un coro de gospel. La guitarra desplazó en alto grado al Banjo y al violín, sobre todo al primero, cuyo uso fue poco común entre los cantantes de Blues.

El blues era ante todo una música vocal y requería cierta calidad vocal en los instrumentos. La flexibilidad de la guitarra satisfacía dicha exigencia. La afinación mi-si-sol-re-la-mi- típica se alteraba tensando o destensando las cuerdas hasta que el instrumento quedaba afinado a una cuerda. Los resultados fueron muy satisfactorios.

Con los primeros acompañamientos de la guitarra hubo otra forma de tocarla. Esto se consiguió con la guitarra slack key, que eran populares en los estados unidos. Esencialmente, la guitarra se afinaba en un acorde abierto y la melodía se tocaba deslizando una barra de metal arriba y abajo por las cuerdas. Esta fue la solución a un problema específico del blues que condujo a las diferentes afinaciones y estilos del blues moderno.

Esta técnica fue también conocida con el nombre de knife-song, ya que se deslizaba una hoja de cuchillo sobre las cuerdas, y el músico podía obtener un sonido lastimero parecido a un gemido humano, o al de un field-holler. Aunque algunos guitarristas utilicen este recurso de modo ocasional, y otros habitualmente, el hecho es que la técnica se ha generalizado, lo cual indica la clara diferencia que siente el cantante de blues por los sonidos dotados de calidades vocales.

Si bien posteriormente con el propio desarrollo del blues fueron utilizado un gran número de instrumentos, (La jarra y el kazoo, que se reemplazó en los años treinta por el bajo de una cuerda hecho con una tina de lavar invertida o un cubo de manteca de cerdo, la tabla de lavar (todos estos instrumentos de percusión africanos), la guitarra slide, hecha de una cuerda con alambre de escoba extendido a lo largo de una madera o de la pared de una casa y que al pulsarla, sonaba y deslizaban una botella de cristal a lo largo, tocada en los años treinta y cuarenta, muchos artistas del blues comenzaron de esta manera.) los que dieron la pauta al inicio de este género musical.

Ciertamente el blues tocado usando escalas del tipo pentatónico (aunque existe un pequeño error histórico al respecto porque la escala de blues es hexatónica) es, digamos, la manera mas conocida de interpretarlo pero los profundizados en asuntos de blues saben que la inclusión de elementos modernos como el saxofón, tradicionales como el piano y rurales como la harmónica y el bottleneck conceden a este estilo una personalidad propia y una cierta elevación espiritual en cuanto a interpretación se refiere.

La cosa es que no pude responderle del todo a mi cuate sobre el uso del "Slide" pero sí coincidimos ambos en que este tubito ayuda mucho a que se escuche mas blues un sencillo solo de guitarra o probablemente un acompañamiento de fondo.

Messy Blues

Fender Blues Club

Las guitarras Strat en el Blues

Antes de que mis críticos salten a la yugular con sus sanos y honrosos comentarios como "Tus pinches apodos mamones" y cosas finas por el estilo y esperando el respectivo brinco de "Tu pinche guitarra ni fender es wey", pues me di a la tarea de checar hasta donde un usuario de una humilde "Squier 1968 Reedition" (de fabricación oriental) es o no un legítimo usuario de productos fender. Me metí al website de la Fender y procedí a leerlo de cabo a rabo y me puse en contacto con ellos preguntando que tan ilegitimo resultaría ser un usuario Fender teniendo una Squier por lo que en seguida me respondieron (en un día) al respecto diciendo que tan usuario es el que tiene una americana como el que usa una oriental, la diferencia estriba en que la Fender USA fabrica guitarras a mano y bajo un estricto control de calidad en todo el proceso para crear una guitarra, mientras las Squier se fabrican en serie con una madera "standard" y en sí lo que las fábricas hacen es la mano de obra pagada por "Fender Musical Instruments" pero que la firma "Squier" fue hecha precisamente hace 20 años para poner las guitarras fender al alcance de todos los bolsillos (bueno, supongo que lo dicen pensando en su primer mundo) así que ni me preocupara, era tan usuario fender como el que mas. Lo chistoso es que, fender o no, no dejo de ser de los parientes pobres, jajajajajajajajajaja.

Ahora que he dejado claro el si puedo o no presumir que uso guitarras fender paso entonces a la parte en que las guitarras fender tienen un delicado lugar en el blues pero antes que otra cosa suceda debo echar abajo algunos mitos existentes en la comunidad guitarrística que alega que las primeras en usarse fueron las "Gibson" porque es un error histórico (ahhh cómo chingo con esa expresión). Lo que sucede es que Les Paul fue el inventor, digamos, de la primer guitarra eléctrica como tal pero a la vez no porque los hawaiianos ya utilizaban un dispositivo al que le colocaban un micrófono rudimentario (no resulta irónico que los hawaiianos hayan apreciado mejor ese invento, el micrófono, con fines realmente artísticos????) y posteriormente fue la marca independiente Rickenbaker la que patentó seriamente lo mas cercano a la guitarra eléctrica pero en este caso fue con anatómia de Hawaiian Guitar así que los verdaderos inventores fueron los Rickenbaker y no propiamente Les Paul quien fue el que inventó la primer guitarra de resonancia y un fonocaptor para tocar jazz y poderse escuchar en una orquesta, eso sí, inspirado en la guitarra de Rickenbaker.

Leo Fender y Doc Kauffman tampoco empezaron como podría creerse en 1950 con sus revolucionarias Esquire y Broadcaster (que pronto sería Telecaster). Ellos habían entrado en el negocio con la marca K & F, tanto para la lap steel como para ambos, cuatro años antes. Su primer modelo estaba originalmente pintado de negro. Hubo varias razones para que dezplazaran a las guitarras convencionales y la mas obvia fue que eran mas baratas y fáciles de construir. Fuera de la parte eléctrica y de afinación, solo hacia falta una pieza rígida de material sin formas sutiles, tallados ni caladuras. Para mejor, habia un mercado ansioso del sonido de las nuevas guitarras, pues desde los 30s, su heart and soul había ido penetrando con la música hawaiana y haciéndola representativa.

Es aquí a donde quería llegar. la fender de un modo un otro es mas raíz del blues precisamente porque su sonido inicial estaba destinado al uso del slide que en sí buscaba sonar blues y no tanto a hawaiiano aunque también hay que considerar que, como buenos blancos, Fender y Kauffman pensaron mas en los múysicos de Country&Western, hay que aceptar. Sin embargo la broadcaster fue la guitarra mas utilizada para bluesear con slide usando capo ya que su cuerpo sólido permitía un sonido mas seco y metálico en tanto Les Paul tuvo que trabajar sobre un modelo nuevo al que ahora conocemos precisamente como "Gibson Les Paul", por cierto una de las guitarras mas famosas después de la Fender Stratocaster (jijijijijijiji). Así las cosas no hubo precisamente una guerra entre fabricantes de guitarra sino mas bien un mútuo impulso por difundir su uso porque incluso organizaban ferias estatales para promover todas las guitarras que se fabricaban por esos años. Injusto sería dejar fuera a las guitarras Martin, Harmony, Hohfnner, Luther, Gretsh y las propias Rickenbaker dentro del entorno blues porque ciertamente influyeron en la historia.

La guitarra fender, o bien todas las guitarras tipo strat, me gustan porque se prestan a cierto control que las de puente rígido no tienen y como dije alguna vez, puedes tocar bends sin que la cuerda se estire como liga (o como dijo omar Jacobo: "Suben hasta el cielo") por lo que tus tonos quedan mas controladitos debido en parte a cierta dureza (resistencia) del puente sujeto desde atrás de la guitarra, amén de que es más fácil moverte sin dar "Espadazos" cuando tocas con otros guitarristas en el escenario. Tiene además la peculiaridad de ser más fáciil de afinar porque todas las llaves están arriba y mientras los controles (volumen, agudos y graves) tienen varios cambios en un selector que te ahorran muchos dolores de cabeza y te permiten sincronizar la pastilla de medios, cosa que no sucede con las de puente rígido que usualmente tiene solo dos botones en las elecaster (de fender) y un par de graves con otro par de agudos en las les paul (aunque le reconozco a etsa guitarra su selector de rythm-lead que ayuda bastante ciertamente). Como sea me quedo con las strat.

Las Stratocaster no son consideradas por los latinoamericanos como muy blueseras sino mas bien como metaleras lo que señala cierta versatildiad de estas guitarras ya que bien Eric Clapton toca un espeluznante blues como Yngiwee Malmsteen toca sus arpeggios neoclásicos con gran destreza (y eso que no lo trago al wey) asimismo artistas como Buddy Guy, David Gilmour, Steve Ray Vaughan, Jimi Hendrix, Jeff Beck y varios mas han dado cierta certeza de que la stratocaster es una de las mejores guitarras del mundo y por ende es ideal para tocar no solo blues sino todo tipo de música. Ciertamente habrá quienes prefieran la Les Paul precisamente por los puntos que se contraponen a la stratocaster porque igual hay muchos guitarristas, como Slash y Jimmy Page, que la usan mas que ninguna otra en tanto el rey del blues, B. B. King, usa desde hace años guitarras ES-355 a las que bautiza como "Lucille" y estas son de caja de resonancia (iguales a la que John Lennon utilizó en la película "Let it be"). bueno también debo aceptar que guitarra es guitarra y punto pero no dejo de festejar mucho a mi favorita de siempre, la Fender Stratocaster.

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El Duende Azul de la Guitarra Strat